SET UFAM - Pra Quem Gosta de Cinema.

Bafta 2012 - Vencedores

2012-02-13T00:58:00.000-04:00

Por Caio Pimenta

O Bafta resolveu ser mais do que generoso com "O Artista". Os sete prêmios dados ao longa francês fizeram com que o filme dominasse a premiação completamente. Sobrou apenas as migalhas para "O Espião que Sabia Demais", "Hugo" e "Histórias Cruzadas".

Saber se o filme francês vai conseguir levar esse favoritismo ao Oscar 2012 é outra história, principalmente após a vitória de "História Cruzadas" no SAG. Porém, "O Artista" realmente está na dianteira da disputa.

O Bafta 2012 ainda fez os brasileiros se orgulharem ainda mais de um dos nossos ídolos esportivos: o documentário "Senna" venceu dois prêmios.

Lista de Vencedores:

Melhor Filme

O Artista

Melhor Filme Britânico
O Espião que Sabia Demais

Melhor Filme de Estreia de Diretor, Produtor ou Roteirista
Paddy Considine e Diarmid Scrimshaw (Tyrannosaur)

Melhor Filme em Língua Não-Inglesa
A Pele que Habito

Melhor Documentário
Senna

Melhor Animação
Rango

Melhor Diretor
Michel Hazanavicius (O Artista)

Melhor Roteiro Original
O Artista

Melhor Roteiro Adaptado
O Espião que Sabia Demais

Melhor Ator
Jean Dujardin (O Artista)

Melhor Atriz
Meryl Streep (A Dama de Ferro)

Melhor Ator Coadjuvante
Christopher Plummer (Toda Forma de Amor)

Melhor Atriz Coadjuvante
Octavia Spencer (Histórias Cruzadas)

Melhor Trilha Sonora
O Artista

Melhor Fotografia
O Artista

Melhor Edição
Senna

Melhor Direção de Arte
A Invenção de Hugo Cabret

Melhor Figurino
O Artista

Melhor Maquiagem
A Dama de Ferro

Melhor Som
A Invenção de Hugo Cabret

Melhores Efeitos Visuais
Harry Potter e as Relíquias da Morte - Parte II

Melhor Curta de Animação
A Morning Stroll

Melhor Curta-metragem
Pitch Black Heist

Melhor Ator ou Atriz em Ascensão (Voto Popular)
Adam Deacon

Crítica: O Despertar, de Nick Murphy

2012-02-11T19:03:00.000-04:00

Por Diego Bauer

Apesar de apresentar falhas e optar pelo convencionalismo, suspense britânico não ofende a inteligência do espectador e apresenta bom desfecho

O Despertar é um daqueles filmes que você assiste, e no final fica na dúvida se o que viu foi um bom filme com várias surpresas, ou um filme ruim, que apela para muitas reviravoltas previsíveis tentando se mostrar mais inteligente do que realmente é.

Bem, no fundo, o filme britânico é um pouco das duas coisas.

Dirigido pelo estreante em cinema, mas com boa experiência em televisão, Nick Murphy, O Despertar conta a história de Florence Cathcart (Rebecca Hall), uma espécie de “caça-fantasma”, que ganha a vida desmistificando possíveis casos de aparições de fantasmas, tendo inclusive escrito um livro que mostra todo o seu ceticismo em relação ao assunto. Certo dia, ela recebe a visita de um professor de uma escola, Robert Mallory (Dominic West), que afirma que há um fantasma de um garoto em seu colégio, que pode ter tido participação na morte de um dos alunos. Intrigada pelo caso, ela resolve ir até a tal escola, que dizem que era a antiga casa do fantasma, para investigar o caso.

Passando-se na Londres de 1921, o longa utiliza a primeira guerra mundial como pano de fundo. Seja para explicar que um momento como esse é propício para lembrar dos que se foram e até, numa tentativa desesperada de fugir da solidão, evocar seus fantasmas, mesmo que através do charlatanismo, como é mostrado na primeira cena; no remorso e certa culpa sofridos por aqueles que sobreviveram à guerra, mas que viram seus amigos morrerem, como é o caso dos professores do colégio; ou ainda na própria protagonista, que utiliza a morte de um ente querido na guerra, como estopim para investigar os fantasmas dos outros, meio que na esperança de que isso a ajude a se livrar dos seus próprios fantasmas.

Com o passar do filme, sentimos uma espécie de déjà vu, pois é inevitável não lembrar de outros títulos, como o fraco 1408 (2007), e os ótimos Os Outros (2001), Ilha do medo (2010) e O Sexto sentido (1999). Assim como acontece nesses filmes, vemos as certezas do protagonista diminuírem com o tempo, dando espaço a uma série de fragilidades.

E o que mais acontece no decorrer da história é a dúvida: será que o fantasma realmente existe? Será que ela está enlouquecendo? Alguém está armando tudo aquilo?

E infelizmente parece que o diretor preferiu não permitir que o filme permanecesse com essa dúvida no ar, pois preferiu seguir o caminho dos sustos óbvios e completamente previsíveis, que enfraquecem a tentativa de desenvolver um suspense psicológico, ao qual o filme parecia se propor no início.

O trabalho de Rebecca Hall é competente, embora apresente falhas, principalmente impostas pelo fraco roteiro. Mostrando-se, a princípio, como uma ateia cética, que não acredita em fantasmas, vida após a morte e qualquer coisa que remeta ao sobrenatural, Cathcart vai mostrando muitas fragilidades no decorrer da trama, causadas principalmente pela perda de uma pessoa. É claro que não há problemas em o personagem passar por uma transformação no decorrer da história, mas da maneira como ela é feita no filme, soa artificial, e rápida e fácil demais. De um minuto para outro, ela é a pessoa mais assustada da história. A impressão que fica é de que ela não era tão cética quanto parecia, e isso é um defeito grave que quase põe o filme a perder, pois mostra a fragilidade com a qual a personagem foi construída.

Os coadjuvantes do filme desempenham um competente trabalho. O destaque fica para Imelda Staunton, que vive a empregada Maud Hill, que dá interessante complexidade ao seu personagem, apresentando uma surpreendente surpresa no final. Também merecem destaque o jovem Isaac Hempstead Wright e Joseph Mawle, que apresentam um marcante trabalho. Dominic West também faz um bom papel, mas demonstra certas falhas, como a suposta gagueira que apresenta no início do filme, que desaparece no desenrolar da história.

O diretor de fotografia, Eduard Grau faz um bom trabalho criando um clima apreensivo e hostil para seus personagens, trazendo uma fotografia sempre escura e sombria. Outro fator ótimo do filme é a sua competentíssima direção de arte, em que a diretora Fiona Gavin apresenta cenários muito bem construídos e críveis, alem de optar acertadamente por cores mais sóbrias para ilustrar o momento vivido pela Europa durante aqueles anos.

Apesar de possíveis defeitos e escolhas duvidosas, O Despertar apresenta um desfecho interessante, que deixa o espectador com uma pontinha deliciosa de dúvida na cabeça no final, fazendo até com que relevemos certas falhas que vimos anteriormente.

Talvez poderia ter sido muito melhor do foi se não tivesse optado por escolhas tão fáceis pelo caminho, mas o filme não ofende a inteligência do espectador, e digamos que consegue se salvar nos últimos instantes.

Nota: 6,0

As Vergonhosas Estreias da Semana nos Cinemas de Manaus - 10 de Fevereiro

2012-02-09T22:32:00.000-04:00

Por Caio Pimenta

A estreia mais importante dos cinemas brasileiros neste fim-de-semana, "O Artista", não chega a Manaus.

Indicado a 10 Oscars e grande favorito ao prêmio, o longa francês se junta a "Histórias Cruzadas" que estreou na semana passada em todo o Brasil, como mais um filme com estreia atrasada nos cinemas da cidade.

Essa é mais uma das mostras que, quando o assunto é cinema, Manaus está bem abaixo na prioridade das distribuidoras.

O fato, infelizmente, não é nenhuma novidade, porém, não deixa de ser decepcionante, já que, mesmo sendo uma cidade com quase dois milhões de habitantes, a capital do Amazonas não consegue formar um público de cinema menos comercial (e olha que temos uma festival de cinema há oito anos e 40 salas de exibição!).

Em compensação, temos o novo filme do gênio da comédia Adam Sandler para animar a turminha e um suspense sobrenatural para deixar a garotada de cabelo em pé!

Vamos às estreias da semana nos cinemas de Manaus:

Filme: Star Wars - Episódio I - A Ameaça Fantasma
Direção: George Lucas
Elenco: Liam Neeson, Ewan McGregor, Natalie Portman, Jake Lloyd
Sinopse: Obi-Wan Kenobi (Ewan McGregor), jovem aprendiz Jedi sob a tutela de Qui-Gon Jinn (Liam Neeson), é designado com seu mestre para escoltar a rainha Amidala (Natalie Portman) até um encontro com os líderes da República, evitando que a Federação coloque em prática seu plano de dominar o planeta Naboo. Mas, durante a viagem, a nave tem problemas e acaba por aterrissar no planeta Tatooine, onde encontram o menino Anakin Skywalker (Jake Lloyd). Qui-Gon acredita que o garoto possa ser o líder dos Jedis que ele procura há muito tempo, mas algo o alerta sobre o perigo de torná-lo seu aprendiz.
Onde: Cinemark e Cinemais

Filme: O Despertar
Direção: Nick Murphy
Elenco: Rebecca Hall, Dominic West, Imelda Staunton
Sinopse: Em 1921, a Inglaterra está em luto pelas mortes da Primeira Guerra Mundial quando Florence Cathcart (Rebecca Hall) visita uma escola na fronteira, objetivando explicar os avistamentos de um fantasma de criança. Acostumada a desmistificar lendas urbanas, ela entra em choque com suas crenças quando fatos inexplicáveis e sobrenaturais começam a se revelar no local.
Onde: Cinemark, Cinemais e Playarte

Filme: Cada um Tem a Gêmea que Merece
Direção: Denis Dugan
Elenco: Adam Sandler, Al Pacino, Katie Holmes, Shaquille O'Neal
Sinopse: O calmo Jack é surpreendido pela visita de sua irmã gêmea, Jill. Inicialmente, ela passaria apenas o Dia de Ação de Graças com a família de seu irmão mas, para a infelicidade de Jack, Jill acaba ficando muito mais tempo do que o esperado.
Onde: Cinemark, Cinemais, Severiano Ribeiro e Playarte

Quem quiser ver algo um pouco mais, digamos, interessante os cinemas oferecem "Millenium", "Os Descendentes", "A Bela e a Fera" e "Tintim".

O Melhor e o Pior do Cinema de Martin Scorsese

2012-02-07T20:21:00.001-04:00

Por Renildo Rodrigues

Neste post, o Cine Set inaugura a seção Rankings, apresentando os melhores trabalhos de grandes nomes do cinema mundial.

Com a chegada do Oscar, que acontece em 26 de fevereiro, decidi começar pelo diretor Martin Scorsese, que, com A Invenção de Hugo Cabret, lidera o páreo deste ano em número de indicações (11 delas, incluindo Melhor Filme e Diretor).

Velho conhecido da Academia, Scorsese também é um injustiçado crônico da premiação: apenas sete indicações a Melhor Diretor em mais de vinte filmes e quarenta anos de carreira.

O Oscar finalmente saiu em 2007, por Os Infiltrados – mas com um sentimento de “já veio tarde” para quem o acompanha desde a época em que lançava um petardo atrás do outro, como Caminhos Perigosos (1973), Taxi Driver (1976) e Touro Indomável (1980). Saiba mais agora:

Veja:

5. A Época da Inocência

Começar o ranking de um diretor famoso pelas tramas violentas, com muito sangue e tiroteios, por uma história de amor pode parecer provocação, mas este é Scorsese: um artista completo, que não cabe em apenas um gênero.

A Época da Inocência surpreendeu a todos em seu lançamento, em 1993.

Ótimas atuações de Daniel Day-Lewis e Michelle Pfeiffer, uma história tocante e a brilhante recriação de época fazem deste um dos melhores trabalhos do diretor.

4. Taxi Driver (1976)

Primeiro clássico de Scorsese, Taxi Driver também consolidou a longa parceria com Robert De Niro. Não podia haver combinação melhor: o estilo tenso e seco de Scorsese encontra a atuação explosiva de De Niro para criar uma reflexão memorável sobre a miséria das grandes cidades.

A sequência do espelho (“Você está falando comigo?”) e o banho de sangue final são antológicos.

3. A Última Tentação de Cristo (1988)

Mais um que foge ao estilo habitual do diretor, também com ótimos resultados.

A Última Tentação de Cristo é corajoso em sua tentativa de retratar a figura maior do cristianismo em sua porção humana, mostrando um Jesus sujeito a dúvidas, paixões, fúria.

Willem Defoe faz um trabalho comovente como protagonista.

2. Touro Indomável (1980)

O sucesso de Taxi Driver criaria grandes expectativas sobre Scorsese, às quais seu trabalho seguinte, o irregular New York, New York (1978) não faria jus.

Desiludido com a carreira, em crise no casamento e viciado em drogas, o diretor foi salvo da lama pelo amigo De Niro, que lhe trouxe a história do antigo campeão dos pesos-médios Jake LaMotta.

Touro Indomável marcou o auge da parceria Scorsese-De Niro, e também é considerado, com razão, o melhor filme sobre boxe já feito, ao lado de Rocky, um Lutador (1976).

Os Bons Companheiros (1990)

Os anos 80 foram uma época de baixa para Scorsese. Mudanças velozes em Hollywood marcaram o declínio de muitos de seus colegas de profissão. Quando se achava que ele já tinha dado tudo o que tinha que dar, eis que surge Os Bons Companheiros.

A história de ascensão e queda do gângster Henry Hill traz tudo o que faz um bom Scorsese: protagonistas foras-da-lei, tiroteios, drogas, humor, edição nervosa e trilha sonora rock ‘n’ roll.

Tudo com uma intensidade e um senso de propósito que o diretor jamais alcançaria novamente, mesmo em ótimos trabalhos como Cassino (1995) e Os Infiltrados (2006). Se quiser conhecer o melhor Scorsese, é este aqui.

Fuja!:

Cabo do Medo (1992)

E não é que logo após o maravilhoso Os Bons Companheiros o diretor aparece com essa presepada? Cabo do Medo é um exagero só: Nick Nolte, como o mocinho, e Robert De Niro, como o vilão, são só gritaria; a câmera faz movimentos forçados e incomoda nos closes; a trilha sonora irrita.

Mas mesmo o pior Scorsese tem momentos de brilhantismo, em especial a sequência cheia de tensão e erotismo do primeiro encontro entre De Niro e Juliette Lewis. Mas esteja avisado...

Cinco Bons Nomes do Cinema no Amazonas

2012-02-04T02:22:00.000-04:00

Por Caio Pimenta

Durante três anos estive à frente do programa de televisão Set Ufam, dedicado exclusivamente à sétima arte, e pude conhecer pessoas que fazem algo que para muita gente não existe aqui: cinema.

Sim, há cinema por aqui.

Certamente não é aquele que a maioria deve estar acostumado a ver no Playarte, Cinemais, Cinemark ou Severiano Ribeiro: cheio de estrelas renomadas, com efeitos especiais incríveis e com verbas milionárias.

Nada disso tem a ver com o cinema amazonense.

Antes que você torça a cara e fale que o cinema da região não presta, saiba que há pessoas com criatividade que superam os desafios técnicos e a falta de estrutura na região para a sétima arte que estão contribuindo para o desenvolvimento cinematográfico do Amazonas.

Com histórias sobre pessoas, lugares e assuntos típicos da região, esses diretores conseguem levar às telas curtas-metragens e documentários bem-desenvolvidos, de boa qualidade técnica e narrativa. Além do mais importante: suas obras conseguem nos emocionar.

Selecionei cinco nomes, quatro já consolidados e uma aposta, que já fizeram, fazem e ainda vão fazer obras relevantes e tomarão decisões que, acredito eu, vão levar o cinema amazonense a conquistar patamares ainda maiores.

Aldemar Matias

Ambição é uma palavra que muitas pessoas vêem como ruim, chegam a pensar ser até um pecado.

Porém, para Aldemar Matias essa palavra cai como uma luva e pelo sentido mais positivo da palavra.

Somente isso pode justificar o seu último e mais brilhante trabalho, o ótimo curta-metragem “Parente”, rodado em plena Floresta Amazônica que passa por dois Estados da região Norte do Brasil (Roraima e Amazonas).

Aldemar mostra no curta uma triste realidade: o crescente número de indígenas com doenças sexualmente transmissíveis, em especial, a Aids. Pior ainda é perceber o quanto de desconhecimento ainda há sobre a doença, obtida através de riquíssimos depoimentos colhidos durante as entrevistas.

Aldemar que já havia se destacado com “A Profecia de Elizon” (ótimo curta sobre o pavor dos moradores de um condomínio de Manaus após um tremor de terra), conseguiu elevar seu trabalho ainda mais com “Parente”, tamanha a qualidade narrativa do filme quanto a sensibilidade para captar de entrevistas poderosas que fazem a diferença em documentário e deixa o espectador ansioso por seu próximo trabalho.

Júnior Rodrigues

Se eu pudesse escolher um único cara disposto a ensinar cinema em Manaus e estimular que a pessoa produza uma obra audiovisual, esse alguém é Júnior Rodrigues.

As oficinas promovidas por ele para ensinar o básico das técnicas cinematográficas já atraíram uma grande quantidade de pessoas nesses últimos anos em Manaus.

Além disso, iniciativas como os Festivais de Curtas de Um e Quatro Minutos também promovidas por Júnior são louváveis, pois promovem a produção cultural no Amazonas (bem verdade que uma boa parte dos filmes que são feitos para esses eventos são de qualidade duvidosa).

Outra importante contribuição de Júnior Rodrigues é o projeto que tenta transformar a experiência de ir ao cinema em uma atividade de inclusão social com filmes que possuem o formato de Libras para os espectadores. A medida já foi adotada com sucesso nas últimas edições do Amazonas Film Festival.

Ele também tem suas obras cinematográficas no currículo como “Deprê de Pobrê” e o belo “Uayná – Lágrimas de Veneno”.

Legal é ver um cara como Júnior Rodrigues disposto a ensinar, dar os primeiros passos a outras pessoas interessadas por cinema, o que o torna uma figura mais do que especial em nosso meio cultural na atualidade.

Sérgio Andrade

O que o curta-metragem amazonense “Cachoeira” trouxe de prestígio ao cinema do Estado nos últimos dois anos, já seria o suficiente para incluir Sérgio Andrade em qualquer lista de cineastas locais mais importantes dos últimos tempos.

Porém, a ousadia em acreditar que é possível filmar em 35mm no Amazonas; a capacidade de transformar em curta uma obra desafiadora e conseguir um belo resultado no suspense “Criminosos”; a qualidade técnica excelente (principalmente da fotografia) e a densidade da trama de “Cachoeira” e, acima de tudo, a força e superação de rodar o primeiro longa-metragem do Amazonas em décadas (“A Floresta de Jonathan” deve ser finalizado ainda em 2012), o colocam como o nome mais pronto do cinema amazonense na atualidade.

Zeudi Souza

Quando dirigia o Set Ufam na TV Universitária, fui fazer uma matéria sobre as filmagens do mais novo filme de Zeudi Souza que iria mostrar as histórias do estádio Vivaldo Lima.

Durante a captação para fazer a reportagem, observava a maneira como ele trabalhava: corria de um lado para o outro, observava o melhor enquadramento, organizava a equipe, fazia teste de microfone, entrevistava e, também, atendia os chatos da imprensa.

Mesmo que ao fazermos uma análise de sua filmografia, encontremos uma irregularidade na qualidade dos filmes, tendo, por exemplo, o ótimo “Perdido” e o decepcionante “Colosso do Norte”, justamente o documentário sobre o Vivaldão, Zeudi é a figura clara do que é o cinema no Amazonas: garra, determinação, vontade e, claro, talento.

A PROMESSA – Rafael Ramos e Newton Gomes

“Ali na Esquina” e “Serviços Gerais”, os dois primeiros filmes de Rafael e Newton, foram sucessos de público e crítica, tendo vencido prêmios na Mostra Amazônica do Filme Etnográfico e no Unicine.

O reconhecimento nesses eventos faz justiça ao bom trabalho da dupla em seus documentários. Apostando em temas fortes que despertam interesse na população (“Ali...” dá vozes às garotas de programa de Manaus contarem suas experiências na profissão; “Serviços” mostra a luta por emprego na capital do Amazonas),as obras mostram a qualidade de Rafael e Newton em explorarem ao máximo o melhor de seus entrevistados.

Apesar da necessidade de melhorias na fotografia e montagem de seus documentários, Rafael e Newton formam uma dupla interessante e ousada, com uma energia vibrante em seus filmes.

OUTROS NOMES

É lógico que não dá para esquecer nomes como Anderson Silva, diretor de “O Picolé do Aranha” e “Rambú”; a turma do Coletivo Difusão com Michelle Andrews, Sávio Stoco; Janssem Cardoso (“O Conto da Rosa”); Leonardo J. Mancini do vencedor de três prêmios do Amazonas Film Festival 2011 com ‘Morto Vivo’; Bosco Leão (“O Rock que o Brasil não Viu”); Antônio Carlos Júnior (“O Terrorista”)...

Os saudosos Silvino Santos e o professor Narciso Lobo iriam se orgulhar dessa turma!

Crítica: J.Edgar, de Clint Eastwood

2012-02-02T00:23:00.000-04:00

Por Caio Pimenta

Clint Eastwood é um dos diretores mais importantes da atualidade. Afinal de contas, o cidadão que possui clássicos na carreira como “Os Imperdoáveis” e “As Pontes de Madison”, além de ser nada mais do que Dirty Harry, merece respeito a cada lançamento.

Posto isso, é com pesar que vejo a irregularidade na qualidade de seus filmes mais recentes, mais precisamente desde 2004 quando lançou o brilhante “Menina de Ouro”.

Mesclando obras ótimas como “A Troca” e “Cartas de Iwo Jima” com fracos como “Além da Vida” e “A Conquista da Honra”, Eastwood lança, quase que obrigatoriamente, um filme por ano desde 2006, mas sem chegar ao nível de seus principais longas.

Dessa vez, com “J. Edgar”, que tem a dura missão de recontar a história do polêmico ex-diretor do FBI por 48 anos J.Edgar Hoover, a pressa voltou a “engolir” Eastwood que desperdiçou a oportunidade de fazer um verdadeiro clássico com o potencial de história que tinha em mãos.

O longa se divide claramente em duas partes que vão se intercalando no decorrer da projeção: uma é baseada no começo da carreira de Hoover (Leonardo DiCaprio) e de como conseguiu levar o FBI a se tornar a organização policial mais respeitada do mundo, enquanto a segunda trata dos últimos anos de vida dele. Paralelo a isso, acompanhamos o relacionamento amoroso confuso dele com o seu aliado Clyde Tolson (o excelente Armie Hammer), a vida familiar ao lado da mãe (Judi Dench), as relações com os principais presidentes norte-americanos e o lado paranóico do personagem.

Como se pode ver, são muitas coisas a serem focadas nessa rica história e o roteiro de Dustin Lance Black (“Milk – A Voz da Igualdade”), infelizmente, opta por priorizar as relações pessoais de Hoover em vez de concentrar sua mira no trabalho brilhante e polêmico do protagonista, além da interessante relação dele com os presidentes dos EUA.

Mesmo com a prioridade no foco familiar, o filme não consegue estabelecer bem a relação entre ele e a mãe, já que não conseguimos ir além da rejeição dela ao homossexualismo colocada na única cena forte de Judi Dench no longa e alguns trechos pouco expressivos que mostram o desejo da mãe de ver o filho trazendo justiça e paz ao país. Já o relacionamento dele com a secretária Helen Grandy quase não tem espaço para ser desenvolvido na trama, tornando Naomi Watts uma mera coadjuvante de luxo.

Em compensação, o caso entre Hoover e Tolson é o que mais chama a atenção nessa parte da história da vida pessoal do protagonista, já que é nítida a tensão sexual dos dois desde o primeiro encontro, explicitado com o desconforto do todo-poderoso do FBI com um homem tão sofisticado, elegante e boa pinta. A crescente admiração dos dois e a necessidade de Hoover de se afastar da tentação em manter um romance homossexual, mesmo sendo de seu desejo, culminam em uma cena forte que acaba em pancadaria entre os dois e que determina o destino melancólico desse casal.

"J. Edgar” realmente cresce, entretanto, quando trata da mente de seu protagonista, pois este se revela um sujeito de fortes convicções, acreditando em organização, estrutura rígida, boa apresentação à sociedade e crença no uso da ciência e tecnologia como formas para se alcançar eficiência em uma estrutura de trabalho, especialmente a policial, como é o caso do FBI.

Isso é mostrado de maneira firme durante toda trama desde o detalhado sistema criado por Hoover para montar a biblioteca do Congresso, passando pela insistência em manter caros setores ligados ao estudo campo científico que poucos davam valor até ao paletó que cada agente usa em campo.

Apesar de toda essa inteligência e de ser um visionário, o lado paranóico de Hoover o acompanha a todo momento, revelado em discursos que revelam um tom de xenofobia, o medo de ser diminuído por causa de suas fraquezas e falta de coragem em determinados momentos e nas elegantes tomadas que Eastwood faz dos momentos em que o protagonista conta sua história a diversos agentes que datilografam sua autobiografia.

A brilhante fotografia acinzentada e quase sem cores fortes de Tom Stern realça ainda mais esses elementos de conflito e tensão enfrentados pelo personagem. Destaque também para a boa, mas não brilhante, atuação de Di Caprio que consegue transmitir bem as nuances de um sujeito tão complexo.

Uma pena mesmo é o filme não explorar bem três pontos cruciais na história:

1) o relacionamento conturbado e cheio de intrigas entre Hoover e os presidentes norte-americanos com os quais conviveu durante o período que chefiou o FBI. Um bom exemplo é um ótimo trecho em que temos uma tensa conversa entre o secretário-geral do governo Kennedy e Hoover. Quando pensamos que a história vai explorar um pouco mais o tema após o protagonista receber a notícia do tiro fatal disparado contra o presidente, a trama dá uma passagem temporal aos tempos de criação do FBI e quando volta não toca mais no assunto;

2) a forma como Hoover se envolveu com a indústria do entretenimento, conseguindo transformar a imagem que o público americano enxergava o FBI é mostrada em pouquíssimas cenas, não chegando a ter uma relevância muito forte na história;

3) o caso do sumiço do bebê do aviador Charles Lindbergh que levou o FBI a ganhar o respeito do público nos EUA é apresentado de forma pouco satisfatória, sempre recomeçando de pontos poucos expressivos dentro do contexto da perseguição ao assassino e do julgamento deste, o que faz o espectador perder o foco e o interesse naquela trama.

Clint Eastwood apela ainda para uma dos artifícios mais chatos e, infelizmente, mais comuns utilizados pelos diretores atuais: a necessidade de explicar detalhe por detalhe em uma cena crucial perto do final do filme em um diálogo que tinha tudo para ser forte entre Tolson e Hoover, porém acaba perdendo força pela “necessidade” de se colocar cenas já exibidas para rememorar o espectador.

Nas questões técnicas, além da fotografia já citada, cito a formidável direção de arte, principalmente do escritório cheio de detalhes de Hoover, e a maquiagem que considero irregular, já que temos um belo trabalho de envelhecimento em Leonardo DiCaprio e um exagero na de Hammer que parece ter sofrido uma queimadura em vez de parecer mais velho.

“J. Edgar” era um filme que tinha tudo para ser um clássico pelo potencial que tinha. Porém, a tentativa de “abraçar o mundo” trouxe falhas gritantes ao longa e é perceptível os erros de organização da trama tanto por parte do roteiro quanto da direção indecisa de Eastwood.

Ainda assim, é melhor um filme de um grande diretor como o nosso “Dirty Harry” do que mil porcarias que são lançadas quase todos os fins de semana nos cinemas.

NOTA: 6,5

Crítica: "Os Descendentes", Alexander Payne

2012-01-30T20:44:00.002-04:00

Por Caio Pimenta

Se uma palavra pudesse resumir “Os Descendentes” esta seria simplicidade.

Escrito e dirigido por Alexander Payne, o vencedor do Globo de Ouro de melhor filme dramático pretende ser apenas um filme que tem uma história para contar e nada mais do que isso.

Não pretende trazer grandes reflexões sobre a vida (apesar de tê-las, principalmente sobre autoconhecimento) ou a existência humana nem ser um exercício rebuscado de seus realizadores.

Basta à trama, seus personagens e saber desenvolve-los.

E é justamente por isso que reside a grande força do filme.

“Os Descendentes” mostra o drama de Matt King (George Clooney), um homem que vivia para o trabalho e, de repente, vê sua vida se transformar depois que a esposa Elizabeth King (Patricia Haste) sofre um acidente que a deixa em estado vegetativo. Ao saber que ela não tem chances de sobrevivência, Matt tenta se aproximar das duas filhas e vai descobrindo pequenos segredos de sua vida conjugal.

Com essa trama simples, Alexander Payne nos joga em um universo que poderia ser possível com qualquer um de nós, um acerto que se mostra decisivo para o sucesso do filme.

Em “Os Descendentes” não há bonzinhos ou vilões, nem grandes momentos de heroísmo muito menos personagens esteriotipados. Até mesmo na roupa, o filme mostra sua vontade de ser o mais simples possível, com os protagonistas andando de bermuda, chinelo, camisetas e blusas floridas. Porém, todos trazem problemas e conflitos que precisam ser resolvidos, assim como nós em nossas vidas.

Da mesma maneira que o roteiro mostra a força, o sacrifício e o amor que Matt tem pela família durante a jornada que acompanhamos, é possível também perceber que ele que pouco esteve presente para cuidar deles antes do acidente fatal com sua esposa. Por isso, como culpar Elizabeth pelas decisões que muitos julgariam erradas? Ou mesmo o durão pai da garota que reclama do personagem de Clooney pelos possíveis erros dele como marido?

Além disso, cada personagem é muito mais do que aparenta ser. Quando vemos a filha mais velha de Matt, Alexandra (a excelente Shailene Woodley) pensamos logo de cara: mais uma adolescente rebelde que vai ficar reclamando de tudo durante o filme! Porém, à medida que a trama vai se desenrolando, percebemos se tratar de uma garota madura, decidida e determinada, capaz de carregar o pai muitas vezes, dando a Matt coragem em momentos em que claramente este hesitaria.

O mesmo podemos ver com outros personagens da trama como o bobão, mas gente-boa Sid e o durão, porém extremamente cuidadoso sogro de Matt interpretado sensivelmente por Robert Foster.

No campo das atuações, porém, o dono do pedaço em “Os Descendentes” é George Clooney. Assim como em “Tudo Pelo Poder”, o astro volta a fazer uma grande atuação. A cena da despedida entre Matt e Elizabeth sintetiza muito bem o trabalho de um ator que consegue ir do humor elegante e discreto ao drama comovente e sem exageros.

Alexander Payne faz mais um belo gol em sua discreta, porém excelente carreira. O mesmo homem que já conseguiu dirigir os excelentes “Eleição” e “Sideways”, mostra amadurecimento com “Os Descendentes” e nos faz lembrar como o cinema pode e deve ser simples: boa história com ótimos personagens, grandes atores e um ótimo diretor.

Tudo isso resulta em um grande filme.

Nota: 8,0

Crítica: Millennium - Os Homens Que Não Amavam As Mulheres

2012-01-29T01:13:00.000-04:00

Por César Nogueira

Os créditos iniciais de Millennium: Os Homens Que Não Amavam As Mulheres são rápidos e feitos em computação gráfica. Além disso, têm como música de fundo uma versão pesada de Immigrant Song, do Led Zeppelin. Essa combinação pode nos sugerir que o novo filme de David Fincher se concentra na ação e na violência. Apesar delas se destacarem em Millennium, o foco e as maiores qualidades do filme são os personagens e a narrativa.

O filme começa com o jornalista Mikael Blomqvist (Daniel Craig) tentando resolver sua vida depois de ter perdido a credibilidade com uma matéria em que denunciava um magnata sueco. Por causa do ocorrido, resolve sair da revista Millennium por respeito a ela e para pensar na vida. Estava desolado, mas eis que surge o milionário Henrik Vanger (Christopher Plummer), que o contrata para investigar um assassinato (ou seria sumiço?) que aconteceu há quarenta anos na sua família, que é cheia de nazistas e loucos. Paralelamente, vemos a hacker Lisbeth Salander (Rooney Mara) lutando pela sua emancipação e, aos poucos, se aproximando das investigações de Mikael.

Millennium fala sobre como fantasmas do passado nos atormentam e como a civilidade e a sofisticação podem camuflar a desumanidade e a mesquinharia. Tal como fez em A Rede Social e Clube da Luta, David Fincher nos apresenta personagens inteligentes e racionais, porém deslocados do mundo e atormentados. Até coadjuvantes reforçam essa ideia. Por exemplo, Nils Bjurman (Yorick van Wageningen) é um funcionário público que disfarça o monstro que é com uma fachada de cidadão de bem. Porém, e felizmente, a maior parte do brilho da obra fica mesmo por conta de Lisbeth e Mikael.

Lisbeth sofreu muito na vida, tem um visual diferente e é um prodígio da informática. Ao mesmo tempo, ela tem fragilidades não só porque é magrinha e pequena, mas também por causa de suas inseguranças e medos. Rooney Mara faz uma atuação contida, assim como todos os outros atores, e expressa os conflitos de Lisbeth com olhares mais fortes que qualquer careta. Sentimos sua força desde o primeiro momento que a vemos de frente, com seu olhar “preso” atrás de persianas.

Daniel Craig vem se mostrando um ator versátil. Ao contrário de muitos colegas seus, ele se entrega e se adapta ao personagem, em vez de apenas emprestar suas idiossincrasias ao papel. Vemos o jornalista Mikael Blomqvist, e não o Daniel Craig usando óculos e nem, muito menos, o 007.

O filme tem sequências pesadas e dura quase três horas, mas flui com leveza por causa, em grande parte, do seu senso de humor. Cenas de tortura e estupro são imediatamente aliviadas com tiradas cretinas; em um certo momento, Lisbeth pede autorização de Mikael para matar o antagonista. Há até easter eggs, como o forncedor da hacker que usa uma camisa com estampa do Nine InchNails, banda de Trent Reznor, compositor das trilhas-sonoras de A Rede Social e Millennium.

Originalmente, Millennium é um best-seller do escritor Stieg Larsson que já foi levado aos cinemas numa produção sueca de 2009. O primeiro filme se concentra na questão dos imigrantes, leva-se muito a sério e demora demais para fechar suas pontas depois do clímax. Por outro lado, a versão de Fincher prioriza os conflitos psicológicos em vez dos políticos, tem senso de humor (cretino) e resolve seus conflitos depois do ápice com mais agilidade, apesar de ainda se estender mais que o desejado.

Ainda é cedo para dizer o lugar de Millennium na filmografia de David Fincher. Seguramente, não é o mais fraco de sua carreira e leva vantagem na comparação com sua versão europeia. O filme nos mostra com clareza que a nacionalidade não importa muito na hora de se contar uma história. Por isso, não me venha com aquela de que filme europeu é superior a Hollywood e ponto.

NOTA: 8,5

Estreias da Semana nos Cinemas de Manaus - 27 de Janeiro

2012-01-27T18:31:00.000-04:00

Filme: Os Descendentes
Diretor: Alexander Payne
Elenco: George Clooney, Judy Greer, Shailene Woodley
Sinopse: Matt King (George Clooney) é um marido indiferente e pai de duas meninas, que é forçado a reexaminar seu passado e abraçar seu futuro depois que sua esposa sofre um acidente de barco em Waikiki. O trágico acontecimento acaba por aproximar Matt das filhas, o que o ajuda na difícil decisão de vender um terreno herdado da família.
Onde: Cinemark, Cinemais e Playarte

Filme: J. Edgar
Diretor: Clint Eastwood
Elenco: Leonardo DiCaprio, Josh Hamilton, Geoff Pierson
Sinopse: Cinebiografia sobre o ex-diretor do FBI, J. Edgar Hoover (Leonardo DiCaprio), que mostra tanto sua escandalosa carreira, marcada por uma administração dura do FBI e casos de chantagem, quanto seu duradouro romance com Clyde Tolson (Armie Hammer).
Onde: Cinemark, Cinemais e Playarte

Filme: Millenium – Os Homens que Não Amavam as Mulheres
Diretor: David Fincher
Elenco: Daniel Craig, Rommey Mara, Christopher Plummer, Stellan Skarsgård
Sinopse: Mikael Blomkvist (Daniel Craig) é um jornalista econômico determinado a restaurar sua honra, depois de ser condenado na justiça por difamação. Contratado por um dos industriais mais ricos da Suécia, Henrik Vanger (Christopher Plummer), para investigar o desaparecimento de sua sobrinha Harriet (Moa Garpendal), há 36 anos, ele se muda para uma ilha remota na costa gelada da Suécia sem saber o que o aguarda. Ao mesmo tempo, Lisbeth Salander (Rooney Mara), hacker da Milton Security, é contratada para levantar a ficha e os antecedentes de Blomkvist, missão que será o ponto de partida para que ela se una a Mikael na investigação de quem matou Harriet.
Onde: Cinemark, Cinemais, Playarte e Severiano Ribeiro

Filme: A Beira do Abismo
Diretor: Asger Leth
Elenco: Elizabeth Banks, Sam Worthington, Jamie Bell
Sinopse: Um ex-policial (Sam Worthington) procurado pela justiça resolve se matar pulando do alto de um prédio de Nova York. Uma vez notificada, a polícia da cidade se mobiliza para tentar impedir que ele acabe com a própria vida, levando para o local inclusive uma policial psicóloga (Elizabeth Banks) especialmente requisitada por ele. O que ela percebe, à medida que conversa com o homem no parapeito do prédio, é que tudo o que está acontecendo ali parece cada vez mais um jogo de cena, mas, para acobertar exatamente o quê?
Onde: Cinemark, Cinemais e Playarte

Filme: Forças Especiais
Diretor: Stéphane Rybojad
Elenco: Diane Kruger, Djimon Hounsou, Benoît Magime
Sinopse: Elsa (Diane Kruger), uma jornalista francesa, é raptada por um líder do Talebã que coloca um vídeo na internet determinando a data de execução da mulher. Investigações apontam que o cativeiro está localizado em um território sem lei, próximo ao Paquistão. Uma unidade de elite militar, com seis homens, é enviada ao local para tentar o resgate. O problema, porém, não é recuperar a jornalista, mas sim retirar-se do local com vida.
Onde: Playarte

Premiados, injustiçados, e um pouco da história do Oscar®

2012-01-25T16:16:00.001-04:00

por Jéssica Santos

Os mais prestigiados

James Cameron era, de fato, “o rei do mundo”, como gritou ao receber o Oscar® de melhor filme, por Titanic, em 1997. Seu filme ganhou onze das catorze estatuetas a que havia sido indicado. 14 indicações é um número expressivo, também alcançado por A malvada, que só levou seis. Ben-hur (1959) e O Senhor dos Anéis 3 (2003) ganharam, como Titanic, onze prêmios Oscar®.

Cameron é o diretor responsável pelos dois filmes mais rentáveis de todos os tempos.

Ele já ganhou cinco estatuetas por efeitos especiais, por seus aclamados filmes: Aliens, o resgate (1986), O segredo do Abismo (1989), O Exterminador do Futuro 2 (1991), Titanic (1997) e Avatar (2009).

O mais indicado, que levou menos prêmios foi O curioso caso de Benjamim Button (2008). O filme concorria em 13 categorias e levou apenas 3 estatuetas. Já A cor púrpura (1985) não levou nenhum prêmio dos 11 a que concorria.

Walt Disney tem o maior número de indicações ao Oscar, de todos os tempos: 64.

As longas histórias vencedoras

...E o vento levou (1939) tem 3h 42 minutos, e Lawrence da Arábia (1962), 3h 36 minutos. Ambos ganharam o prêmio de melhor filme, e foram, também, os mais longos filmes a ganhar o Oscar®.

Os atores mais reconhecidos

Jack Nicholson e Meryl Streep estão todo ano, na cerimônia do Oscar®. E não é á toa: ele já foi indicado doze vezes, e ganhou três. Ela já foi indicada 16 vezes e venceu apenas duas.

Porém, ninguém superou Katharine Hepburn, que recebeu quatro vezes o prêmio de melhor atriz.

A mais precoce e a incansável

A pessoa mais jovem a ganhar o Oscar® foi Tatum O ‘Neal, que recebeu aos dez anos o prêmio de melhor atriz coadjuvante, por Lua de papel (1973). Jessica Tandy foi a atriz mais idosa a receber o prêmio, aos oitenta anos, por Conduzindo Miss Daisy.

Injustiçados

Laranja mecânica (1971, de Stanley Kubrick), Janela Indiscreta (1954, de Alfred Hitchcock), e Luzes da cidade (1931, de Charles Chaplin) são obras-primas de gênios do cinema, que não ganharam o Oscar®. Os renomados diretores jamais receberam o prêmio de melhor filme.

Outros filmes brilhantes, que não venceram: Cidadão Kane (1941), Cantando na Chuva (1952), Apocalypse Now (1979), e Taxi Driver (1976).

Pouco público, muito prestígio

Guerra ao terror (2008) teve apenas US$ 16 milhões de faturamento e levou o Oscar® de melhor filme. Outros vencedores da categoria mais importante também tiveram renda fraca nos cinemas: Crash – no limite (2004) teve US$ 55 milhões, e Onde os fracos não tem vez (2007) teve US$ 74 milhões de renda.

Ganharam o que realmente importa

Os únicos filmes a vencer o Oscar®, nas categorias principais do prêmio (melhor filme, direção, roteiro, ator e atriz), foram Aconteceu naquela noite, Um estranho no ninho e O silêncio dos inocentes.

Os únicos filmes vencedores do Oscar de melhor filme a levar apenas uma estatueta foram Melodia na Broadway, O Grande Motim e Grand Hotel, sendo que este último não foi indicado a mais nenhuma categoria.

O personagem mais aclamado

Vito Corleone foi o único personagem que deu o Oscar® a dois atores que o interpretaram. Primeiramente, com Marlon Brando (O Poderoso Chefão, 1972), considerado o melhor ator de todos os tempos.

Depois, com Robert de Niro, que fez o jovem Vito, dois anos mais tarde. Ele foi considerado o melhor ator vivo hoje, pelo sindicato americano da categoria.

A mais grata

O maior número de pessoas citadas no agradecimento feito após ganharem a estatueta do Oscar ocorreu na cerimônia de 1947, quando Olivia de Havilland ganhou o seu prêmio como melhor atriz pelo desempenho no filme de 1946 Só resta uma lágrima, e agradeceu a 27 pessoas.

Quanto vale uma estatueta?

Num leilão em 1993, a estatueta ganha pela atriz inglesa Vivien Leigh em 1940, como melhor atriz pelo filme ...E o vento levou, foi arrematada por 562 mil dólares.

Quem venceu, afinal?

Em toda a história da premiação, houve apenas dois empates: em 1933 Wallace Beery (O campeão) e Fredric March (O Médico e o Monstro) dividiram o prêmio de melhor ator. Em 1969, foi a vez de Barbra Streisand (Funny Girl) e Katharine Hepburn (O Leão no Inverno) dividirem o de melhor atriz. Na época, era considerado empate um resultado que desse uma diferença de até três votos entre os mais votados. Hoje, o empate se tornou muito mais difícil porque o número de votos precisa ser rigorosamente igual.

Aqueles que recusaram o prêmio

Dois grandes atores já rejeitaram o tão almejado Oscar®: George C. Scott e Marlon Brando. Scott, premiado por Patton, avisou antes que não aceitaria se ganhasse, porque não acreditava em competição entre atores. Ganhou assim mesmo e não aceitou receber. Brando, que já havia sido premiado em 1955, por Sindicato de Ladrões e aceitou, mandou uma índia de nome Sacheen Little Feather representá-lo na entrega dos prêmios de 1973, que lhe deu o segundo Oscar por O Poderoso Chefão.

Sacheen subiu ao palco na hora do anúncio da vitória de Brando – feito por Liv Ullman e pelo então novo 007, Roger Moore - recusou o prêmio em nome dele e deixou a plateia e o público televisivo furiosos, com um discurso escrito pelo ator contra a opressão sofrida pelo índio norte-americano. Tempos depois, descobriu-se que a "índia" era na verdade uma dançarina do Texas que acabou posando para a revista Playboy.

Incrível!

A série cinematográfica de sucesso, "Harry Potter", nunca ganhou um Oscar em seus sete primeiros filmes. Resta apenas o último: Harry Potter e as Relíquias da Morte - Parte 2. A série é a franquia cinematográfica com a maior bilheteria de todos os tempos.

Favoritos, Milagres e Injustiças do Oscar 2012

2012-01-24T20:25:00.004-04:00

Chegou a melhor época do ano para os cinéfilos: palpitar sobre quem deveria ser o vencedor do Oscar, o que significa assistir uma quantidade imensa de filmes.

Um sacrifício!

Os chatos que só gostam de cinema europeu e esnobam os filmes americanos ou que consideram o prêmio uma tolice ou os que acham Hollywood o maior vilão da sétima arte é claro que não vão concordar, mas aposto que mesmo estes dão suas “espiadas” na lista dos indicados. Mesmo que para criticar.

O prêmio em si não é tão legal, é verdade. Porém, o Oscar serve como um guia para vermos filmes e discutir sobre eles. Coisa que quem é cinéfilo ama.

Pois bem!

A lista dos indicados trouxe algumas surpresas, mas nada demais do que já era esperado.

O mais surpreendente, na minha visão, foi a escolha da Academia de Hollywood de eleger apenas nove longas para a categoria de Melhor Filme e a redução drástica no número de músicas indicadas para Melhor Canção: duas!

A seguir, uma analisada nesta lista dos indicados ao OSCAR 2012 com os injustiçados, os milagres e quem não deveria estar.

MELHOR FILME

"O Artista"
"Os Descendentes"
"Histórias Cruzadas"
"A Invenção de Hugo Cabret"
"Meia-Noite em Paris"
"O Homem que Mudou o Jogo"
"Cavalo de Guerra"
“A Árvore da Vida”
“Tão forte e Tão perto”

Favorito: “O Artista” sai na frente devido à força que traz da temporada de premiações. Porém, “Hugo” ganhou força e tem Martin Scorsese. Já “Histórias Cruzadas” aposta em um tema amado pela Academia (superação de barreiras) e o apoio do público americano.

Milagre: que bom ver “A Árvore da Vida” indicado na categoria principal. O Oscar corrigiu os erros do Globo de Ouro que simplesmente esqueceu o melhor filme de 2011.

Oi?!: “Tão Perto e Tão Longe” tem um marketing muito forte. Somente isso explica sua inclusão na categoria. Não que o filme seja ruim (nem vi, para ser honesto), porém, era um longa que estava totalmente esquecido na temporada de premiações e nem muito cotado para figurar nesta lista. Mostra o carinho que a Academia tem por Stephen Daldry.

Injustiça: Como sobrou uma vaga, bem que a Academia poderia brindar David Fincher com uma lembrança por “O Homem que Não Amava às Mulheres” ou o lado político de George Clooney em “Tudo Pelo Poder”.

MELHOR DIREÇÃO

Martin Scorsese, "A Invenção de Hugo Cabret"
Woody Allen, "Meia-Noite em Paris"
Michel Hazanavicius, "O Artista"
Alexander Payne, "Os Descendentes"
Terrence Malick, "A Árvore da Vida"

Favorito: peguem o foice e comecem a lutar. De um lado no corner está um dos maiores cineastas da história e injustiçado histórico do Oscar: Martin Scorsese! Do outro, o diretor do filme do momento e com um belíssimo trabalho em mãos: Michel Hazanavicius.

Milagre: deixar Terrence Malick fora seria um crime de lesa-pátria ao cinema. Ainda bem Academia, ainda bem!

Justiça: Deixar Steven Spielberg por “Cavalo de Guerra” de fora. Não merecia o homem que fez “Jurassic Park”, “Indiana Jones” e “A Lista de Schindler” ser indicado por este filme.

Curiosidade: Lista é igualzinha a do Globo de Ouro deste ano.

MELHOR ATOR

Demian Bichir, "A Better Life"
George Clooney, "Os Descendentes"
Jean Dujardin, "O Artista"
Brad Pitt, "O Homem que Mudou o Jogo"
Gary Oldman “O Espião que Sabia Demais”

Favorito: George Clooney, mesmo com Dujardin na cola. O astro hollywoodiano vem crescendo como ator, tem um enorme carisma tanto entre o público, crítica e meio cinematográfico, além de ser um cara engajado politicamente. Sim, meus caros: atuação no Oscar não basta.

Milagre: Gary Oldman tem um papel meticuloso em “O Espião que Sabia Demais”. Nada mais justo ele ter conseguido superar Michael Fassbander e Leonardo Di Caprio na última hora e conseguido uma indicação, a primeira em uma brilhante carreira.

OI?: quem apostaria em Demian Bichir ser indicado em uma categoria que tem alguns dos maiores astros do cinema americano? O México já pode comemorar.

Injustiça: há dois caras que a Academia não gosta: Jim Carrey e Leonardo Di Caprio. O primeiro é visto como um careteiro (um besteira e quem viu “O Show de Truman” e “Brilho Eterno de Uma Mente Sem Lembranças” sabe); já Di Caprio é uma incógnita. Mais uma vez desprezado pelo Oscar.

MELHOR ATRIZ

Glenn Close, "Albert Nobbs"
Viola Davis, "Histórias Cruzadas"
Meryl Streep, "A Dama de Ferro"
Michelle Williams, "Sete Dias com Marilyn"
Rooney Mara , "Millennium - Os Homens que Não Amavam as Mulheres"

Favorita: Meryl Streep e Viola Davis disputam acirradamente a estatueta. Porém, a protagonista de “A Dama de Ferro” deve vencer devido a seu impressionante histórico de derrotas recentes (nada mais que 12 perdas em 28 anos).

OI?!: nem Rooney Mara esperava essa indicação por "Millennium - Os Homens que Não Amavam as Mulheres", principalmente se formos analisar que ela “roubou” a vaga de Tilda Swinton por “Precisamos Falar Sobre Kevin”. Que aproveite o luxo de ser indicada ao lado de nomes como Streep e Gleen Close.

Injustiça: se Lars Von Trier não tivesse falado besteira em Cannes, pode ter certeza: Kristen Dunst estaria indicada ao Oscar por “Melancolia”. Somente um boicote da Academia a tudo que se referisse ao filme explica sua ausência da lista.

MELHOR ATOR COADJUVANTE

Kenneth Branagh, "Sete Dias com Marilyn"
Jonah Hill, "O Homem que Mudou o Jogo"
Nick Nolte, "Guerreiro"
Christopher Plummer, "Toda Forma de Amor"
Max von Sydow, “Tão Forte e Tão Perto”

Favorito: Christopher Plummer tem e vai ganhar por sua brilhante atuação em “Toda Forma de Amor”. Vá na locadora ou faça o download e saiba porque!

Milagre: quem te viu, quem te vê Jonah Hill? O gordinho atrapalhado de “Superbad” indicado ao Oscar? Evolução, hein! Parabéns!

Injustiça: a maioria das pessoas pediam por Andy Serkis na categoria devido a sua ótima atuação em “Planeta dos Macacos – A Origem”. Porém, admito, que gostaria de ver Aln Rickman por “Harry Porter” nesta categoria. Sua atuação é brilhante em toda série, principalmente em “Relíquias da Morte – Parte II”.

MELHOR ATRIZ COADJUVANTE

Bérénice Bejo, "O Artista"
Jessica Chastain, "Histórias Cruzadas"
Melissa McCarthy, "Missão Madrinha de Casamento"
Janet Mcteer, "Albert Nobbs"
Octavia Spencer, "Histórias Cruzadas"

Favorita: Octavia Spencer já ganhou. Próxima disputa!

OI?: imagino o susto que Melissa McCarthy teve quando começou a perceber que poderia estar na lista do OSCAR. Afinal de contas, você fazer um filme bobinho como “Missão: Madrinha de Casamento” (diga-se de passagem, uma boa comédia) e parar na maior festa do cinema mundial, mostra que você fez bem o seu trabalho.

Injustiça: Jessica Chastain não ser indicada por “A Árvore da Vida” e sim por “Histórias Cruzadas”. Sensibilidade zero dos membros da Academia.

MELHOR ROTEIRO ORIGINAL

"Meia-Noite em Paris" (Woody Allen)
"Missão Madrinha de Casamento" (Annie Mumolo e Kristen Wiig)
"O Artista" (Michel Hazavanicius
“Margin Call” (J.C. Chandor)
“A Separação” (Asghar Farhadi )

Favorito: apesar de “O Artista” querer atrapalhar, Woody Allen deve levar sua estatueta dourada pelo brilhante “Meia-Noite em Paris”. Aliás, vão ter que entregar o prêmio, pois ele não vai para a festa mesmo.

Milagre: “A Separação” repete um feito de “Cidade de Deus”: ter o roteiro indicado, mesmo sendo um filme não-inglês. Viva a diversidade.

OI?: Ignorado nas outras categorias, “Margin Call” surgiu aqui de intrometido. Uma boa prova que os americanos ainda estão traumatizados com a crise econômica que atingiu o país em 2008.

Injustiça: o delicioso roteiro de “Toda Forma de Amor” e o complexo e estranho texto de “A Árvore da Vida” ficarem de fora, é uma pena.

MELHOR ROTEIRO ADAPTADO

"Os Descendentes" (Alexander Payne, Nat Faxon e Jim Rash)
"A Invenção de Hugo Cabret" (John Logan)
"O Homem que Mudou o Jogo" (Steven Zaillian e Aaron Sorkin)
"Tudo pelo Poder" (George Clooney, Grant Heslov, Beau Willimon)
"O Espião que Sabia Demais” (Bridget O'Connor e Peter Straughan)

Favorito: sem chances na categoria de Melhor Diretor, Alexander Payne deve ganhar aqui com “Os Descendentes”. Porém, é bom ficar de olho em “A Invenção de Hugo Cabret” e todas suas homenagens ao cinema.

Justiça: ainda não vi “Histórias Cruzadas”, porém no meio de tantos filmes fortes como os deste ano, seria uma pena desperdiçar uma indicação com esta história com cara de que já vimos em algum lugar (se você viu o trailer, sabe muito bem do que falo).

MELHOR ANIMAÇÃO

“Um Gato em Paris”
“Chico e Rita”
“Kung Fu Panda 2”
“Gato de Botas”
“Rango”

Favorito: sem “Tintim”, “Rango” tem a estatueta nas mãos.

OI?!: “Kung Fu Panda 2” está indicado? OI?!

Injustiça: “Rio” e “As Aventuras da Tintim” ficarem de fora mostra a falta de seriedade da Academia neste ano para com esta categoria.

Milagre: no meio de tantos erros, a ausência de “Carros 2” é um consolo. A Pixar deveria apagar este filme de sua quase irretocável filmografia.

MELHOR FILME ESTRANGEIRO

"Bullhead" - Michael R. Roskam (Bélgica)
"Monsieur Lazhar" - Philippe Falardeau (Canadá)
"A Separação" - Asghar Farhadi (Irã)
"Footnote" - Joseph Cedar (Israel)
"In Darkness" - Agnieszka Holland (Polônia)

Favorito: “A Separação” não vai dar chances aos indicados.

Injustiça: é impossível não lamentar “Tropa de Elite 2” na lista. A não ser que só tenha clássicos entre os cinco indicados (o que não acredito), é triste o Brasil ter ficado de fora mais uma vez do Oscar.

MELHOR CANÇÃO ORIGINAL

"Man or Muppet", de "Os Muppets" - música e letra de Bret McKenzie
"Real in Rio", de "Rio" - música de Sergio Mendes e Carlinhos Brown e letra de Siedah Garrett

Favorito: “Man or Muppet”, principalmente porque o filme estava cotadíssimo para essa categoria e só ficou com uma indicação.

OI?!: Dois indicados? É um boicote da Academia à categoria? Somente isso explica tamanha miséria nas indicações. Houve anos bem piores em que mais músicas foram escolhidas. Por que isso agora?

Justiça: “Rio” tinha que ser indicado para alguma coisa. Era o mínimo pela esnobada na categoria de Melhor Animação.

DIREÇÃO DE ARTE

"O Artista" (design de produção: Laurence Bennett; decoração do set: Robert Gould)
"Harry Potter e as Relíquias da Morte - Parte 2" (design de produção: Stuart Craig; decoração do set: Stephenie McMillan)
"A Invenção de Hugo Cabret" (design de produção: Dante Ferretti; decoração do set: Francesca Lo Schiavo)
"Meia-Noite em Paris" (design de produção: Anne Seibel; decoração do set: Hélène Dubreuil)
"Cavalo de Guerra" (design de produção: Rick Carter; decoração do set: Lee Seales)
Favorito: "A Invenção de Hugo Cabret"

Injustiça: “O Espião que Sabia Demais”

Milagre: "Harry Potter e as Relíquias da Morte - Parte 2"

DIREÇÃO DE FOTOGRAFIA

"O Artista" (Guillaume Schiffman)
"Millennium - Os Homens que Não Amavam as Mulheres" (Jeff Cronenweth)
"A Invenção de Hugo Cabret" (Robert Richardson)
"A Árvore da Vida" (Emmanuel Lubezki)
"Cavalo de Guerra" (Janusz Kaminski)

Favorito: "O Artista"

Justiça: "A Árvore da Vida"

Injustiça: “O Espião que Sabia Demais”

MELHOR FIGURINO

"Anonymous" (Lisy Christl)
"O Artista" (Mark Bridges)
"A Invenção de Hugo Cabret" (Sey Powell)
"Jane Eyre" (Michael O'Connor)
"W.E." (Arianne Phillips)

Favorito: “Jane Eyre”

Injustiça: “O Espião Que Sabia Demais”

MELHOR EDIÇÃO

"O Artista" (Anne-Sophie Bion e Michel Hazanavicius)
"Os Descendentes" (Kevin Tent)
"Millennium - Os Homens que Não Amavam as Mulheres" (Kirk Baxter e Angus Wall)
"A Invenção de Hugo Cabret" (Thelma Schoonmaker)
"O Homem que Mudou o Jogo" (Christopher Tellefsen)

Favorito: “A Invenção de Hugo Cabret"

Injustiça: “A Árvore da Vida”

MELHOR TRILHA SONORA ORIGINAL

"As Aventuras de Tintim" (John Williams)
"O Artista" (Ludovic Bource)
"A Invenção de Hugo Cabret" (Howard Shore)
"O Espião que Sabia Demais" (Alberto Iglesias)
"Cavalo de Guerra" (John Williams)

Favorito: "O Artista"

Injustiça: John Williams indicado duplamente por duas trilhas fracas.

EDIÇÃO DE SOM

"Drive" (Lon Bender e Victor Ray Ennis)
"Millennium - Os Homens que Não Amavam as Mulheres" (Ren Klyce)
"A Invenção de Hugo Cabret" (Philip Stockton e Eugene Gearty)
"Transformers: O Lado Oculto da Lua" (Ethan Van der Ryn e Erik Aadahl)
"Cavalo de Guerra" (Richard Hymns e Gary Rydstrom)

Favorito: "Cavalo de Guerra"

Injustiça: qualquer indicação para “Transformers” é uma injustiça.

Detalhe: na minha opinião, essa é uma categoria em que os jurados escolhem os mais barulhentos. Não é à toa que “Transformers” está aí.

MIXAGEM DE SOM

"Millennium - Os Homens que Não Amavam as Mulheres" (David Parker, Michael Semanick, Ren Klyce e Bo Persson)
"A Invenção de Hugo Cabret" (Tom Fleischman e John Midgley)
"O Homem que Mudou o Jogo" (Deb Adair, Ron Bochar, Dave Giammarco e Ed Novick)
"Transformers: O Lado Oculto da Lua" (Greg P. Russell, Gary Summers, Jeffrey J. Haboush e Peter J. Devlin)
"Cavalo de Guerra" (Gary Rydstrom, Andy Nelson, Tom Johnson e Stuart Wilson)

Favorito: "A Invenção de Hugo Cabret"

Injustiça: qualquer indicação para “Transformers” é uma injustiça.

Detalhe: na minha opinião, essa é uma categoria em que os jurados escolhem os mais barulhentos. Não é à toa que “Transformers” está aí.

EFEITOS VISUAIS

"Harry Potter e as Relíquias da Morte - Parte 2" (Tim Burke, David Vickery, Greg Butler e John Richardson)
"A Invenção de Hugo Cabret" (Rob Legato, Joss Williams, Ben Grossman e Alex Hennemg)
"Gigantes de Aço" (Erik Nash, John Rosengrant, Dan Taylor e Swen Gillberg)
"Planeta dos Macacos: A Origem" (Joe Letteri, Dan Lemmon, R. Christopher White e Daniel Barrett)
"Transformers: O Lado Oculto da Lua" (Scott Farrar, Scott Benza, Matthew Butler e John Frazier)

Favorito: "Harry Potter e as Relíquias da Morte - Parte 2" como prêmio de consolo e reconhecimento por tudo que representou para o cinema. Além disso, os efeitos são muito bons.

Injustiça: qualquer indicação para “Transformers” é uma injustiça.

MELHOR MAQUIAGEM

"Albert Nobbs" (Martial Corneville, Lynn Johnston e Matthew W. Mungle)
"Harry Potter e as Relíquias da Morte - Parte 2" (Edouard F. Henriques, Gregory Funk e Yolea Toussieng)
"A Dama de Ferro" (Mark Coulier e J. Roy Helle)

Favorito: "A Dama de Ferro"

Crítica: 2 Coelhos

2012-01-22T17:30:00.000-04:00

Por César Nogueira

2 Coelhos foi vendido para mim como o “Sucker Punch brasileiro”. Por isso, liguei o meu desconfiômetro na hora. Afinal, o filme de Zack Snyder se preocupa com a estetização e o ritmo de videoclipe a ponto de se esquecer de contar uma história e de ter personagens carismáticos. Sucker Punch entrou em listas de piores filmes de 2011 e, por isso, não seria uma referência cinematográfica positiva. Mas, pelo visto, acompanhado pelos filmes do Tarantino, o foi. Infelizmente, as minhas expectativas em relação a 2 Coelhos se concretizaram. Com exceção da parte das listas, toda a descrição da produção americana se encaixa perfeitamente no filme nacional.

O filme escrito e dirigido por Afonso Poyart conta como o playboy Edgar (Fernando Alves Pinto, que parece o Paulo Miklos até nos cacoetes de expressão) pretende roubar uma maleta com dois milhões de dólares e, assim, dar uma lição nos corruptos e ter uma vida mansa longe da sua cidade, São Paulo. De ladrões da periferia a um político corrupto querem o dinheiro. Na busca pelos dólares, haverá muitas explosões, perseguições de carros, tiroteios e traições. Os maiores trunfos da história são a sua estética, até então inédita no cinema nacional, e a narrativa que brinca com seus elementos narrativos e sua não-linearidade. Os efeitos visuais, como as animações em 3D, impressionam num primeiro momento por causa da sua qualidade técnica. Infelizmente, observando o todo, eles apenas envernizam com cultura pop a sucessão de incoerências da história.

Planos longos em 2 Coelhos têm cinco segundos. Isso não é uma crítica.

Exemplos delas não faltam. Velinha (Thaíde) assalta Edgar e, numa Síndrome de Estocolmo sem sentido, o protagonista vai atrás dele, liberta-o da prisão e propõe-lhe uma parceria para conseguir a maleta. Edgar tem um Iphone e uma BMW, mas não tem sequer uma muda de roupa no seu apartamento de luxo. Esta informação causa um reviravolta no terceiro ato. Pois é.

Outra incoerência é Walter (Caco Ciocler). O professor universitário larga o seu emprego depois de uma tragédia da história e aceita trabalhar no restaurante do pai do seu desafeto Edgar sem nenhuma razão plausível. Além disso, seu brinco é constantemente realçado e contribui em nada para o desenvolvimento dele e nem para a história como um todo. A incoerência em Júlia está na escolha de Alessandra Negrini para dar-lhe vida. A linda atriz desempenha com profissionalismo o papel da advogada jovem, bem-sucedida e com um toque de ninfeta. Mas Júlia seria mais plausível se fosse vivida por uma atriz mais jovem. Isso porque, ao observarmos as mãos e as rugas de Negrini, percebemos que a idade está chegando aos poucos para ela...

Todas essas incoerências são vividas por personagens que não se passam de tipos. Os conflitos e motivações de Edgar procuram chocar o público, mas se tornam justificativas pouco convincentes para explosões e violência. Seus offs podem até incomodar com seu rebuscamento e frases de efeito sem efeito. Júlia é bonita, charmosa e só. A canastrice dos vilões é tragicômica, porque suas caras e bocas de badguys são involuntariamente engraçadas. A exceção é Walter. Caco Ciocler não deixa transformar a variação e a intensidade de suas emoções e dramas do personagem em um simples golpe de efeito do roteiro.

Copiar o modelo de Hollywood não seria um problema. Mas não amarrar bem uma história...

Câmeras DSLR foram usadas em 2 Coelhos. Sua fotografia aproveita a sensibilidade do foco do equipamento e brinca com a profundidade de campo. O resultado, interessante, direciona o olhar do espectador e contribui para seu ritmo acelerado. Mas a sensibilidade da câmera também desfoca personagens quando não seria necessário. Há planos em que o foco está na parede atrás das pessoas. O diretor de fotografia Carlos Zalasik acertou ao prioziar o tom cinza, para simbolizar a frieza de São Paulo e do mundo-cão. Mas ele criou muitos planos com elementos sujos e inúteis. Por exemplo, a conversa de Edgar com o pai no restaurante tem linhas e ângulos que não signficam nada e tiram a atenção do que realmente importa na cena. Zalasik escolheu certos filtros que também não contribuem para o desenvolvimento da história. O dourado da procuradoria, além de não acrescentar nada, dói na vista.

2 Coelhos seguiu à risca a receita pop de Sucker Punch e a estetização da violência dos filmes de Tarantino. Mas o seu roteiro não é bem amarrado o suficiente e, assim, suas reviravoltas não alcançam o impacto esperado. Seu grande feito estaria na sua ousadia e na comprovação de que o cinema nacional atingiu um nível internacional de produção e habilidade técnica. Mas não mostrou nada mais do que isso e uma vontade de ser hollywoodiano a pulso. Como diria o meu amigo Caio Pimenta, 2 Coelhos é um filme que você esquece depois de descer o primeiro lance de escadas-rolantes.

Pelo menos não as desceríamos ofendidos, como aconteceu quando saímos da sessão de Segurança Nacional.

NOTA: 7,0

Crítica: As Aventuras de Tintim

2012-01-20T07:10:00.001-04:00

Por César Nogueira

Tintim é uma história em quadrinhos criada pelo belga Hergé em que um jornalista entra em altas aventuras por causa das matérias. Admirada em todo o mundo, a obra ganha uma versão cinematográfica dirigida por Steven Spielberg e co-produzida por Peter Jackson. As Aventuras de Tintim honra a HQ com uma história bem-amarrada e mostra que Spielberg é grande mesmo quando se repete.

O diretor usou a técnica motion-capture para transpor as emoções dos atores para a animação, que mistura expressões faciais e ambientes realistas com corpos de desproporção cartunesca. Dessa forma, acompanhamos uma aventura em que o jornalista (no original, sua voz é a de Jamie Bell, de Billy Elliot), acompanhado pelo seu cãozinho Milou, apura uma matéria que envolve tesouros perdidos, viagens para o norte da África, milionários, Interpol e sede de vingança que atravessa gerações. Tudo isso aconteceu depois de um singelo passeio por uma praça, onde comprou um navio em miniatura muito importante para o capitão Haddock (Andy Serkis, o eterno Gollum) e para o vilão Sahkarine (Daniel Craig).

Spielberg conta uma história sem pontas soltas, incoerências nem forçadas de barra. Mesmo os acontecimentos paralelos, como o cleptomaníaco, contribuem para o desenvolvimento da história e não tomam mais tempo que o necessário. A fotografia e montagem são eficientes como o roteiro. Os closes, particularmente nos objetos, e os reflexos, graças à sua funcionalidade, não são só exercícios de estilo. A câmera ajuda a reforçar sensações, como quando ela reforça com tremedeiras o raciocínio tortuoso que Haddock faz até chegar a uma informação importante. Destaca-se também o plano-sequência da perseguição à águia. As transições, elegantes, usam poças d'água e semelhanças na forma e nos movimentos. A cena em que Haddock se lembra da informação importante usa várias dessas transições e foi montada de um jeito que também reforce sua caminhada pelos labirintos da memória.

As piadas também funcionam, mesmo que apelem para tipos e para o pastelão, e são embaladas num clima de matinê, onde tudo dá certo no último segundo. Isso porque a influência de Indiana Jones é notória: substitua a arqueologia pelo jornalismo, tire alguns anos do Dr. Jones, dê-lhe um topete ruivo, mantenha o estilo de fotografia e montagem e, assim, teremos Tintim. Indy já foi comparado anteriormente ao jornalista. Para Spielberg, talvez não haveria melhores referências nem outros caminhos a serem seguidos senão olhar para a sua própria filmografia quando foi dirigir “Tintim”. Mesmo assim, a sensação de estarmos vendo um episódio de Indiana Jones feito em animação, com um 3D que não influi nem contribui e sem nenhuma grande inovação em relação aos filmes anteriores é grande.

Os créditos iniciais, a piadinha do auto-retrato do início do filme e expressões como “carambolas” homenageiam a HQ.

O Caio Pimenta não achou "Cavalo de Guerra" ruim, mas esperava mais dele por ser um filme de Spielberg. Talvez “As Aventuras de Tintim” desperte o mesmo sentimento no Caio e em outras pessoas que partilham de sua opinião. Compreendo-os, mas penso de outra maneira. Spielberg dirigiu “Tintim” fazendo o feijão-com-arroz, mas acertou nos temperos. O filme não vai mudar a história do cinema. Talvez nem ganhe relevo na carreira do diretor. Mesmo assim, diverte e, para mim, um básico bem-feito do Spielberg vale mais que o ápice de muitos. Talvez a situação fique problemática mesmo se ele insistir nesses rescaldos nas continuações de Tintim. Afinal, tudo em excesso enjoa.

NOTA: 7,5.

Estreias da Semana nos Cinemas de Manaus - 20 de Janeiro

2012-01-19T19:53:00.000-04:00

Filme: As Aventuras de Tintim – O Segredo de Licorne
Direção: Steven Spielberg
Elenco: Jamie Bell, Daniel Craig, Simon Pegg, Andy Serkis
Sinopse: Tintin (Jamie Bell), um jovem jornalista que viaja pelo mundo com seu inseparável cão Milu, compra um galeão antigo de presente para seu amigo Haddock (Andy Serkis). Porém, o navio é logo roubado. Pouco tempo depois, descobre-se que nele havia parte de um mapa de um tesouro, fazendo com que Tintim e seus amigos ingressem em uma jornada à sua procura.
ONDE: Cinemark, Cinemais, Playarte e Severiano Ribeiro

Filme: 2 Coelhos
Direção: Afonso Poyart
Elenco: Alessandra Negrini, Caco Ciocler, Fernando Alves Pinto
Sinopse: Edgard (Fernando Alves Pinto) é um sujeito cansado da desgraça social e da corrupção. Resolvendo agir por conta própria e fazer justiça com as próprias mãos, ele traça um plano que colocará os bandidos em confronto com os políticos. No entanto, conforme põe em prática suas ideias, Edgard tem suas intenções e história dramática reveladas.
ONDE: Cinemark, Cinemais, Playarte e Severiano Ribeiro

Filme: O Espião que Sabia Demais
Direção: Tomas Alfredson
Elenco: Gary Oldman, Tom Hardy, Colin Firth
Sinopse: Durante o período da Guerra Fria, os britânicos começam a desconfiar que estão sendo espionados por alguém do alto escalão do exército soviético. Para investigar o caso com toda a cautela que a situação exige, George Smiley (Gary Oldman) abandona a aposentadoria para encobrir agente soviético do MI6.
ONDE: Playarte

Pré-estreia: A Beira do Abismo (Playarte Manauara Shopping)

Classic Movies - Nosferatu - Uma Sinfonia do Horror (1922)

2012-01-17T14:20:00.000-04:00

por Jéssica Santos

A obra-prima de horror Nosferatu completa 90 anos e continua sendo admirada pelos cinéfilos. O filme surgiu a partir da adaptação do romance Drácula (1897), do escritor irlandês Bram Stoker. Por problemas com os direitos de adaptação, o diretor Friedrich W. Murnau resolveu trocar o nome do vampiro e, provavelmente por causa disso, o horror trazido em Nosferatu é distinto da mitologia e dos lugares-comuns sobre o vampiro construído pelo cinema posteriormente, a partir da obra de Stoker.

Em Nosferatu, o temido vampiro é o Conde Orlok (Max Schreck), que após receber a visita do agente imobiliário Cárpatos, apaixona-se pela imagem de sua esposa. “Sua mulher tem um belo pescoço”, diz o conde. Assim, ele parte em busca de sua amada num navio cheio de ratos.

Schreck preparou-se para o papel num trabalho árduo, a fim de garantir uma imagem bastante exótica e horripilante ao personagem, que leva o drama de aniquilar a coisa amada. Ele caracterizou o vampiro como um ser selvagem, pelo modo simples e ingênuo de agir.

Esse tom trágico e ao mesmo tempo romântico da história do vampiro reapareceu no filme de Francis Ford Coppola Drácula de Bram Stoker (1992). Aqui, o diretor fez várias homenagens ao filme de Murnau, inclusive incluindo na obra o navio e a famosa e inesquecível cena do vampiro levantando-se ereto do caixão. Já o diretor alemão, Werner Herzog, fez uma refilmagem fiel ao longa. Nosferatu, o Vampiro da Noite (1979), trouxe de volta as orelhas pontudas e os dentes afiados compostos por Schreck, com Klaus Kinski como o vampiro.

O filme enriqueceu a história dos vampiros com mitos que são lembrados até hoje, nos novos filmes que tratam da história do Drácula ou de outros vampiros.

A referência expressionista de Nosferatu tem o objetivo de pôr em evidência os medos que rodeiam o inconsciente humano. O rosto do vampiro e o jogo de sombras, os cenários com referências gráficas, o movimento das câmeras e uso de lentes que deformam a imagem são alguns exemplos.

Um filme que, visto hoje pode não ser tão assustador quanto na época em que foi lançado, mas que sem dúvidas, traz cenas marcantes e sombrias; e que possui grande valor pelas técnicas e imagens inovadoras que foram usadas. Vale a pena assistir!

O que esperar do Oscar 2012 a partir do Globo de Ouro?

2012-01-16T00:27:00.009-04:00

Por Caio Pimenta

Muitos cinéfilos e até mesmo críticos de cinema afirmam que o Globo de Ouro é a prévia do Oscar, ou seja, quem ganha em um leva o outro.

Creio que haja um exagero nisso ao lembrar que "A Rede Social", "Avatar", "Desejo e Reparação" e "Babel" venceram o Globo de Ouro em quatro dos últimos cinco edições. No Oscar, porém, foram derrotados, respectivamente, por "O Discurso do Rei", "Guerra ao Terror", "Onde os Fracos Não Têm Vez" e "Os Infiltrados"

Porém, 2012 deve fazer o Globo de Ouro retomar sua enganosa alcunha, pois, na minha opinião, dificilmente veremos vencedores diferentes entre os dois prêmios.

Este ano, não há nenhum filme que chegue como indiscutível ao OSCAR ou até mesmo a polarização da disputa entre dois candidatos como ocorreu em anos anteriores.

Na minha visão, isto deve causar um fato interessante e que vai agradar boa parte dos concorrentes a estatueta dourada: um diversificação nos prêmios principais, com vários filmes ganhando nas categorias mais prestigiadas do OSCAR.

Seguindo essa linha de pensamento, creio que no Oscar "Meia-Noite em Paris" leva merecidamente o prêmio de roteiro original, enquanto "Os Descendentes" fature o de roteiro adaptado.

Na atuação, Christopher Plummer vence como melhor ator coadjuvante por seu fantástico desempenho em "Toda Forma de Amor", já Jessica Chanstain de "Histórias Cruzadas" ganha como atriz coadjuvante.

Meryl Streep deve finalmente deixar de lado seu compromisso quase que anual: perder Oscars.

A atuação em "Dama de Ferro" deve dar a atriz o terceiro prêmio da Academia de Ciências Cinematográficas dela. Porém, é bom ficar com os olhos bem abertos, pois Viola Davis, em "Histórias Cruzadas" pode atrapalhar os planos da atriz. Já Michelle Williams, por "Sete Dias com Marylin", corre bem por fora.

Uma boa disputa deve acontecer na categoria de melhor ator entre George Clooney e Jean Dujardin por, respectivamente, "Os Descendentes" e "O Artista".

Aí, quando duas boas atuações competem, sabe como se faz?

Ou vai pelo histórico (diga-se de passagem, este é o mais comum) ou pela força do ator entre os votantes.

Dessa maneira, acredito que Clooney leva vantagem, já que tem apenas um Oscar na carreira (em 2006, como ator coadjuvante por "Syriana"), por ter feito um ano primoroso (deve também concorrer como melhor diretor por "Tudo Pelo Poder") e pelo carisma inegável que possui.

Na categoria de melhor direção, Martin Scorsese e Michel Hazanavicius fazem o duelo que pode definir o OSCAR. Isso porque, caso Hazanavicius vença, "O Artista" leva fácil o prêmio de melhor filme.

Porém, a Academia ainda é lembrada pela esnobada de décadas em Scorsese e dar a segunda estatuteta ao diretor em cinco anos seria uma boa maneira de tentar compensar esse equívoco e como "A Invenção de Hugo Cabaret" deve levar apenas prêmios técnicos, seria uma maneira de compensá-lo.

Minha aposta: Martin Scorsese melhor diretor.

"O Artista" é favorito para levar o prêmio de melhor filme, mesmo que não ganhe o de diretor.

Só que ainda há um dúvida no ar: será que a Academia de Hollywood vai dar o prêmio que celebra a indústria cinematográfica dos EUA para um filme mudo (!), em preto e branco (!!) e, acima de tudo, francês (!!!)?

Caso o preconceito ocorra, abre-se caminho para "A Invenção de Hugo Cabaret", "Histórias Cruzadas" e, principalmente, "Os Descendentes".

Nas outras categorias, chama atenção o predomínio de "A Separação", franco favorito na categoria de melhor filme estrangeiro, além de uma disputa interessante no prêmio de melhor animação entre o até então favorito "Rango" e o vencedor do Globo de Ouro "As Aventuras de TinTin - O Segredo do Licorne".

As indicações ao OSCAR 2012 saem no dia 24 de janeiro.

PRÊMIO CECIL B. DE MILLE

O momento mais emocionante e legal do Globo de Ouro 2012 foi a homenagem mais do que merecida ao ator Morgan Freeman.

Apesar de ter se envolvido em tantas ruindades nos últimos anos ("Red" e "Jogo Entre Ladrões" são bons exemplos"), não como negar o talento desse monstro do cinema norte-americano.

Dono de uma elegância ao falar cada palavra e mestre em criar personagens que nos emociona, Freeman tem na carreira três clássicos: o belo western "Os Imperdoáveis", o suspense que definiu o rumo do gênero nos anos 90 "Seven-Os Sete Pecados Capitais" e o inesquecível e emocionante "Um Sonho de Liberdade".

Sem dúvida, um dos maiores atores que Hollywood já viu.

Veja a lista completa dos vencedores do Globo de Ouro 2012:

MELHOR FILME DE DRAMA

Vencedor: "Os Descendentes"

Outros Indicados:
"Histórias Cruzadas"
"A Invenção de Hugo Cabret"
"Tudo pelo Poder"
"O Homem Que Mudou o Jogo"
"Cavalo de Guerra"

MELHOR FILME DE COMÉDIA OU MUSICAL

Vencedor: "O Artista"

Outros Indicados:
"50/50"
"Missão Madrinha de Casamento"
"Meia-Noite em Paris"
"My Week With Marylin"

MELHOR DIRETOR

Vencedor: Martin Scorsese - "A Invenção de Hugo Cabret"

Outros Indicados:
Woody Allen - "Meia-Noite em Paris"
George Clooney - "Tudo pelo Poder"
Alexander Payne - "Os Descendentes"
Michel Hazanivicous - "The Artist"

MELHOR ATOR EM DRAMA

Vencedor: George Clooney - "Os Descendentes"

Outros Indicados:
Leonardo DiCaprio - "J. Edgar"
Michael Fassbender - "Shame"
Ryan Gosling - "Tudo pelo Poder"
Brad Pitt - "O Homem Que Mudou o Jogo"

MELHOR ATRIZ EM DRAMA

Vencedora: Meryl Streep - "A Dama de Ferro"

Outros Indicados:
Glenn Close - "Albert Nobbs"
Viola Davis - "Histórias Cruzadas"
Rooney Mara - "Millennium - Os Homens que Não Amavam as Mulheres"
Tilda Swinton - "We Need to Talk About Kevin"

MELHOR ATOR EM COMÉDIA OU MUSICAL

Vencedor: Jean Dujardin - "O Artista"

Outros Indicados:
Brendan Gleeson - "O Guarda"
Joseph Gordon-Levitt - "50%"
Ryan Gosling - "Amor a Toda Prova"
Owen Wilson - "Meia-Noite em Paris"

MELHOR ATRIZ EM COMÉDIA OU MUSICAL

Vencedora: Michelle Williams - "My Week with Marilyn"

Outros Indicados:
Jodie Foster - "Carnage"
Charlize Theron - "Jovens Adultos"
Kristen Wiig - "Missão Madrinha de Casamento"
Kate Winslet - "Carnage"

MELHOR ATOR COADJUVANTE

Vencedor: Christopher Plummer - "Toda Forma de Amor"

Outros Indicados:
Kenneth Branagh - "Sete Dias Com Marilyn"
Albert Brooks - "Drive"
Jonah Hill - "O Homem Que Mudou o Jogo"
Viggo Mortensen - "Um Método Perigoso"

MELHOR ATRIZ COADJUVANTE

Vencedora: Octavia Spencer - "Histórias Cruzadas"

Outros Indicados:
Bérénice Bejo - "The Artist"
Janet McTeer - "Albert Nobbs"
Jessica Chastain - "Histórias Cruzadas"
Shailene Woodley - "Os Descendentes"

MELHOR FILME DE ANIMAÇÃO

Vencedor: "As Aventuras de Tintim - O Segredo do Licorne"

Outros Indicados:
"Operação Presente"
"Carros 2"
"Gato de Botas"
"Rango"

MELHOR FILME ESTRANGEIRO

Vencedor: "A Separação" (Irã)

Outros Indicados:
"A Pele Que Habito", de Pedro Almodóvar (Espanha)
"Garoto da Bicicleta" (Bélgica)
"In the Land of Bloody and Honey" (EUA)
"The Flowers of War" (China)

MELHOR ROTEIRO

Vencedor: Woody Allen ("Meia-Noite em Paris)

Outros Indicados:
George Clooney, Grant Heslov, Beau Willimon ("Tudo pelo Poder")
Michel Hazavanicius ("The Artist")
Jim Rash, Nat Faxon, Alexander Payne ("Os Descendentes")
Aaron Sorkin, Steve Zaillian ("O Homem Que Mudou o Jogo")

MELHOR CANÇÃO ORIGINAL EM FILME

Vencedor: "Masterpiece" - "W.E." - Madonna

Outros Indicados:
"Hello Hello" - "Gnomeu e Julieta" - Elton John
"Lay Your Head Down" - "Albert Nobbs" - Sinead O'Connor
"The Living Proof" - "Histórias Cruzadas" - Mary J. Blige
"The Keeper" - "Redenção" - Gerard Butler

MELHOR TRILHA SONORA

Vencedor: Ludovic Bource - "The Artist"

Outros Indicados: Abel Korzeniowski - "W.E."
Trent Reznor & Atticus Ross - "Millennium - Os Homens que Não Amavam as Mulheres"
Howard Shore - "A Invenção de Hugo Cabret"
John Williams - "War Horse"

TV

MELHOR SÉRIE DE TV - DRAMA

Vencedor: "Homeland"

Outros Indicados:
"American Horror Story"
"Boardwalk Empire"
"Boss"
"Game of Thrones"

MELHOR SÉRIE DE TV - MUSICAL OU COMÉDIA

Vencedor: "Modern Family"

Outros Indicados:
"Glee"
"Enlightenment"
"Showtime"
"New Girl"

MELHOR MINISSÉRIE OU FILME PARA TV

Vencedor: "Downton Abbey"

Outros Indicados:
"Cinema Verite"
"Mildred Pierce"
"Too big to fail"
"The Hour"

MELHOR ATOR EM SÉRIE DE TV - MUSICAL E COMÉDIA

Vencedor: Matt LeBlanc, "Episodes"

Outros Indicados:
Alec Baldwin, "30 Rock"
David Duchovny, "Californication"
Johnny Galecki, "The Big Bang Theory"
Thomas Jane, "Hung"

MELHOR ATRIZ EM SÉRIE DE TV - MUSICAL OU COMÉDIA

Vencedora: Laura Dern, "Enlightenment"

Outros Indicados:
Zooey Deschanel, "New Girl"
Tina Fey, "30 Rock"
Laura Linney, "The Big C"
Amy Poehler, "Parks and Recreation"

MELHOR ATOR EM SÉRIE DE TV - DRAMA

Vencedor: Kelsey Grammer, "Boss"

Outros Indicados:
Steve Buscemi, "Boardwalk Empire"
Bryan Cranston, "Breaking Bad"
Jeremy Irons, "The Borgias"
Damian Lewis, "Homeland"

MELHOR ATRIZ EM SÉRIE DE TV - DRAMA

Vencedora: Claire Danes, "Homeland"

Outras Indicadas:
Mireille Enos, "The Killing"
Julianna Margulies, "The Good Wife"
Madeleine Stowe, "Revenge"
Callie Thorne, "Necessary Roughness"

MELHOR ATRIZ EM MINISSÉRIE OU FILME PARA TV

Vencedora: Kate Winslet, "Mildred Pierce"

Outras Indicadas:
Romola Garai, "The Hour"
Diane Lane, "Cinema Verite"
Elizabeth McGovern, "Downton Abbey"
Emily Watson, "Appropriate Adult"

MELHOR ATOR EM MINISSÉRIE OU FILME PARA TV

Vencedor: Idris Elba, "Luther"

Outros indicados:
Hugh Bonneville, "Downton Abbey"
William Hurt, "Too Big To Fail"
Bill Nighy, "Page Eight"
Dominic West, "The Hour"

MELHOR ATRIZ COADJUVANTE EM SÉRIE, MINISSÉRIE OU FILME PARA TV

Vencedora: Jessica Lange, "American Horror Story"

Outras Indicadas
Sofia Vergara, "Modern Family"
Kelly Macdonald, "Boardwalk Empire"
Maggie Smith, "Downton Abbey"
Evan Rachel Wood, "Mildred Pierce"

MELHOR ATOR COADJUVANTE EM SÉRIE, MINISSÉRIE OU FILME PARA TV

Vencedor: Peter Dinklange, "Game of Thrones"

Outros Indicados
Tim Robbins, "Cinema Verite"
Eric Stonestreet, "Modern Family"
Paul Giamatti, "Too Big to Fail"
Guy Pearce, "Mildred Pierce"

PRÊMIO CECIL B. DE MILLE

Morgan Freeman

Tapete Vermelho do Globo de Ouro 2012

2012-01-15T21:15:00.005-04:00

George Clooney e a nova namorada, Stacy Keibler

Jean Dujardin, astro de "O Artista"

Apresentador do Globo de Ouro, Ricky Gervais

Angelina Jolie e Brad Pitt

Natalie Portman

Nicole Kidman e Keith Urban

Tilda Swinton

Evan Rachel Wood

Reese Whiterspoon

Salma Hayek

Leonardo Di Caprio

Emma Stone

Kate Winslet

Madonna

Charlize Theron

Tina Fey

Dustin Hoffman

Helen Mirren

Jodie Foster

Mila Kunis

Colin Firth

Steven Spielberg

Crítica: Sherlock Holmes: O Jogo de Sombras

2012-01-14T12:10:00.017-04:00

Por César Nogueira

“Piratas do Caribe” revigorou as aventuras de capa, espada e armas-de-fogo em 2003. Muito de seu sucesso se deve ao carisma de Jack Sparrow, interpretado por Johnny Depp. Infelizmente, as continuações de “Piratas” não mantiveram o brilho do original, e Depp entra mais no piloto-automático a cada edição da cinessérie. Baseando-se na receita de sucesso dos piratas, Guy Ritchie levou Sherlock Holmes, o detetive da literatura criado por Sir Arthur Conan Doyle, de volta aos cinemas em 2009. O ex da Madonna também dirige a continuação, Sherlock Holmes: O Jogo de Sombras, que, ao contrário dos planos do seu vilão, tem arestas tanto como aventura quanto como adaptação de um clássico literário.

“O Jogo das Sombras” mostra a jornada que o detetive Sherlock Holmes (Robert Downey Jr.), em companhia do seu fiel amigo, Dr. John Watson (Jude Law), e da cigana Simza (Noomi Rapace) para impedir o plano impecável do gênio do mal James Moriarty (Jared Harris) de levar a Europa à guerra e, com isso, ficar rico.Os destaques de “O Jogo” são as atuações de Jared Harris, Stephen Fry e Jude Law e alguns exercícios de estilo de Ritchie. Harris cria um vilão para quem conseguimos torcer contra, algo raro atualmente. Fry esbanja presença e rouba a cena com Mycroft Holmes, o irmão mais velho do protagonista. E Law interpretou com competência a falta de sal, expressão e carisma do Dr. Watson. Quando eles e os outros atores não dialogam, há cenas de ação que são visualmente interessantes até o segundo ato. Como no primeiro filme, Guy Ritchie usa câmeras-lentas e closes bem orquestrados para mostrar as previsões sempre falhas de Holmes dos movimentos dos adversários.

Os exercícios de estilo de Ritchie convencem no início, mas se repetem no decorrer da história. Além disso, como o roteiro de “O Jogo”, igual ao do último “Piratas”, é apressado, de ritmo arrastado (faz duas horas parecerem cinco), confuso e não preocupado em situar o espectador, eles, no terceiro ato, alongam o tão ansiado fim com sua lentidão e detalhismo. Enquanto o visual recebeu muitos cuidados, a contextualização de Mycroft parece não o ter recebido. Isso porque ele é jogado na tela, não ganhando nenhuma explicação satisfatória da sua importância e origens na história. Fica a impressão de que ele só serve para ser o irmão mais velho e quebra-galhos do protagonista.

A relação homoerótica de Holmes com Watson é tratada de novo com leveza e bom humor.

Robert Downey Jr. parece ter se inspirado em Jack Sparrow. Assim, seu Holmes é cheio de excentricidade, maneirismos e britishness. Infelizmente, sua atuação tem arestas de todos os tamanhos. Há as menores, como o sotaque londrino: sua artificialidade é igual à de um palistano ou carioca interpretando com um sotaque nordestino genérico. As maiores ficam por conta da repetição de artifícios de atuação. O Holmes da continuação apenas repete o que deu certo no original. Para completar, Downey Jr. faz de Holmes um freak gente boa. Dá até vontade de tomar cerveja com ele. De acordo com os propósitos do filme de agradar à toda família, esse expediente funciona. Acontece que o detetive, nos livros, é uma criatura insuportável que resolve tudo com a inteligência e quase nunca apelando para a força bruta. Atualmente, o cerebralismo e a antissocialidade do detetive foram parar nas séries "House", abertamente inspirada no clássico de Conan Doyle, e em "Sherlock", que adapta as aventuras do detetive para o século XXI. As duas séries são melhores adaptações e – o mais importante – bem melhores narrativas.

Sherlock Holmes: O Jogo das Sombras segue o filão aberto por "Piratas do Caribe" e deixou gancho para continuação. Espera-se que a cinessérie consiga aparar boa parte de suas arestas e acrescentar algo novo ao que já foi apresentado nos seus filmes e no gênero como um todo.

Com melhoras, a gente relevaria por completo a simpatia desse Holmes.

NOTA: 7,0

Crítica: Tudo Pelo Poder, de George Clooney

2012-01-14T01:38:00.000-04:00

Por Caio Pimenta

A carreira de George Clooney é realmente admirável. Com seus milhões de dólares, o astro poderia muito bem se satisfazer em protagonizar seus blockbusters como “Onze Homens e um Segredo” (sequências) como, por exemplo, faz Johnny Depp com “Piratas do Caribe”.

Porém, basta dar uma olhada em sua filmografia que podemos ver o quanto o ator é ousado em seus projetos, escolhendo obras que trazem bons questionamentos sobre o mundo em que vivemos e nos desafiando a cada filme que faz. Foi assim em “Syriana”, “Conduta de Risco”, “Amor Sem Escalas”, “Confissões de uma Mente Perigosa”, “Boa Noite e Boa Sorte”.

Este ano, Clooney mais uma vez nos brinda com um grande filme que mostra um olhar interessante sobre a política em geral e, especialmente, a americana em “Tudo Pelo Poder”.

Baseado na peça “Farragut North”, escrita por Beau Willimon, o longa mostra o jovem assessor de imprensa e idealista Stephen Myers (Ryan Gosling) que trabalha na campanha do pré-candidato democrata à presidência dos EUA, Mike Morris (George Clooney). Ao lado do experiente Paul Zara (Philip Seymour Hoffman), ele tem a responsabilidade de organizar as estratégias para conseguir mais eleitores, além de tentar esconder as falhas de Morris e, claro, conseguir os podres do adversário. Porém, a medida em que a disputa vai se aprofundando, o talentoso rapaz vai se vendo em meio a uma série de intrigas e decepções que o fazem se transformar completamente.

O roteiro escrito por George Clooney e George Heslov (dupla responsável pelo roteiro de “Boa Noite e Boa Sorte”) se apóia muito mais nas figuras dos assessores políticos do que nos próprios homens que disputam os votos dos eleitores. Desde a preparação de um simples discurso até a mudança de pensamentos ideológicos são feitas por estes sujeitos que vivem nos bastidores, sem quase nunca aparecer, mas com uma importância que chegamos ao ponto de se questionar quem realmente manda e dá os rumos à nação.

Uma bela cena ilustra isso: enquanto Morris faz um discurso sobre guerra, economia e meio ambiente que ele mesmo mostra pouca confiança de ser possível concretizar, mas que leva o público à loucura, Stephen e Paul discutem, atrás do palco e sob uma bandeira americana ao fundo, um fato que pode mudar a campanha dos Democratas e, conseqüentemente, o rumo das eleições.

Outro acerto de “Tudo Pelo Poder” são os brilhantes diálogos do filme que conseguem trazer uma inteligência rara para o cinema atual, acompanhado de um humor irônico e refinado.

Na minha opinião, três momentos se destacam: o primeiro encontro de Stephen e Molly Stearns (Rachel Evan Wood), uma conversa entre os personagens de Ryan Gosling e Paul Giamatti em que este concluí “Você quer ficar do lado de quem: do seu amigo ou do presidente?”, e, por último, na sequência decisiva do filme, quando o jovem assessor diz a Clooney o que um candidato a presidente não deve fazer em hipótese alguma.

Claro que nada seria de um bom roteiro sem um elenco de qualidade. Ryan Gosling consegue conduzir bem o filme, ao mostrar gradativamente as mudanças pela qual o personagem dele passa. Já Clooney surpreende com uma atuação contida e mais séria que o habitual, conseguindo mostrar, principalmente nas cenas de discurso com seu olhar indeciso, a falta de segurança nas opiniões de Morris sobre os assuntos que trata. Porém, “Tudo Pelo Poder”, nada mais é que uma aula de interpretação de dois craques da atuação: Paul Giamatti e Philip Seymour Hoffman esbanjam talento nas cenas em que aparecem.

Assim como “Boa Noite, Boa Sorte” foi corajoso em 2006, no auge do apoio nos EUA ao governo Bush, ao mostrar a importância de uma imprensa livre e combativa, mesmo em períodos obscuros da história, “Tudo Pelo Poder” mostra os bastidores nem sempre muito agradáveis da política americana, que tanto gosta de se propagar como bela e incorruptível, em pleno ano de disputa eleitoral para a Casa Branca.

Isso tudo vindo da mão de um astro como George Clooney, o qual poderia estar sentado, tomando seus “bons drinks”, mas que optou pelo caminho mais contestador e crítico.

Bom para o cinema!

NOTA: 8,0

Especial Sexta-feira 13

2012-01-13T10:24:00.005-04:00

por Jéssica Santos

Que tal deixar a sua sexta-feira 13 mais medonha e assustadora? Nada melhor do que ver um filme horripilante como um da série Sexta-feira 13 (Friday the 13th).

A primeira vez que vi Sexta-feira 13, tinha apenas cinco anos de idade! Ficava em baixo da cadeira ou de uma coberta, cobria os olhos nos momentos mais aterrorizantes, mas estava lá, eu e meu irmão, Arthur, assistindo sem parar. Por causa disso, Arthur e eu crescemos adorando filmes de terror, e até fazíamos muitos filminhos de terror, caseiros.

O primeiro filme Sexta-feira 13 (1980) tem a seguinte história: Num verão no acampamento Crystal Lake, um grupo de jovens começa a se preparar para receber as crianças que irão para lá. Infelizmente, alguém não está feliz com o que está acontecendo no campo e está disposto a matar todos que encontrar pelo caminho. Ninguém está a salvo da brutalidade deste assassino cruel, que no primeiro filme, não é Jason, e sim sua mãe, em busca de ‘vingança’ pela morte de seu filho. Aqui conhecemos a história de Jason Voorhees.

Tudo bem, sejamos sinceros. A qualidade do filme não é nem um pouco sublime. O roteiro é ruim. O filme é lento em algumas cenas e a história, então, é absurda mesmo, se você resolver parar para pensar. Mas criou um mito: Jason.

Quando vi o primeiro filme da série, fiquei especialmente chocada. Betsy Palmer é incrível como a Sra. Voorhees. Misturando doçura e insanidade, a mãe de Jason é tão ou mais assustadora do que ele. Seu cabelinho curto, aquele agasalho e seu rosto obstinado e maquiavélico são de deixar qualquer pessoa assombrada. Para sempre, hahaha.

As sequências são aterrorizantes também, não importa quantas sejam. Muito se deve ao assassino, que aparenta ser um homem como outro qualquer, mas que assusta pelo seu porte, máscara, faca e pelo sangue que sempre traz nas suas roupas. Ele não corre, apenas anda e rápido. Alcança as vítimas, e tem uma criatividade doentia para matá-las.

História

No fim dos anos 1970, Sean Cunningham teve a ideia de fazer “O Filme Mais Assustador da História”, e muitos não acreditaram que ele seria capaz. Sexta-Feira 13 - Friday the 13th (1980) foi lançado nos cinemas, e então todos começaram a valorizar o Sr. Cunningham.

O diretor e o escritor Victor Miller, após verem o sucesso de Halloween nas bilheterias, perceberam que valia a pena fazer um bom filme de terror, que fizesse todos saírem dos cinemas realmente assustados. Reuniram um fato que havia acontecido há anos (a morte de Jason afogado no lago), muitos jovens voltando a esse mesmo lugar e alguém com uma fúria em vingar o filho. Chamaram jovens e bonitos atores para os papéis de vítimas da mãe assassina e louca. Inclusive o iniciante Kevin Bacon (de O Homem Sem Sombra) ganhou um dos papéis. Assim nascia um filmes de terror que daria origem a tantos outros, e que pode ser considerado um dos mais assustadores de todos os tempos.

Comentário

O trabalho de Cunningham e Carpenter durante 1978 e 1980 revolucionou o gênero horror. Sexta-feira 13 é um dos filmes que gera repercussões até hoje. Como poucos, os filmes da série (os oito primeiros, pelo menos) conseguem fazer o público se sentir perseguido, como as vítimas. Cunningham também foi um dos poucos diretores a introduzir a ideia de um assassino do sexo feminino. Este filme, junto a Halloween, de Carpenter, são imperdíveis e contém todos os elementos de um excelente filme de terror . A música de arrepiar, a bruta fotografia e as chocantes cenas dos assassinatos de todos os jovens se unem, para criar uma parte da história do cinema clássico.

Não se tratava de pessoas más sendo mortas, eram apenas típicos jovens americanos se divertindo longe de casa. É um clássico. É por isso que inúmeras tentativas mais recentes de horror não estão à altura. A atmosfera e a familiaridade da história, unidas ao assassino bruto e assustador, tornam este filme especialmente medonho. Você assiste e pensa que o Jason pode estar no seu quintal, ou até mesmo atrás da porta mais próxima. Sexta-feira 13 se propõe a fazer com que você fique encolhido no sofá, se sentindo desconfortável e nervoso. E não adianta, quem já viu, vai sentir um medinho cada vez que sair da cama de madrugada.

Os filmes da série

Colaboração: Arthur André

1ª fase – Jason não está morto de fato, tem aspectos de vivo (cresce) e é um ser muito forte. Morre na Parte IV.

Sexta-feira 13 – Parte I a Parte IV

Sexta-feira 13 – Parte V (Jason não aparece)

2ª fase – Jason Zumbi

Sexta-feira 13 – Parte VI a Parte IX

“O Jason contemporâneo”

Jason X

Freddy X Jason

Sexta-feira 13 – Bem-vindo a Cristal Lake

Trivialidades

v Adrienne King, a princípio não queria estar no filme por causa da violência exagerada, mas ela mudou de ideia. Até Sally Field fez o teste para o papel da personagem principal do primeiro filme. Já Betsy Palmer disse que, se não fosse pelo fato de que ela estava desesperada por um carro novo, nunca teria feito Pamela Voorhees. Na verdade, depois que ela leu o roteiro, chamou o filme de "um pedaço de merda".

v O compositor Harry Manfredini disse, que ao contrário da crença popular, o famoso "chi chi chi, ha ha ha" na trilha do filme é realmente "ki ki ki, ma ma ma". Ele foi criado para assemelhar-se a voz de Jason dizer "kill kill kill, mom mom mom". Foi inspirado pela cena em que a Sra. Voorhees parece estar possuída por Jason.

v O primeiro filme foi filmado no Camp Nobebosco em Nova Jersey. O campo ainda está em operação até hoje, e eles têm uma parede de sexta-feira dia 13, com algumas parafernálias do filme, para honrar o fato dele ter sido criado lá.

v Nem a máscara de hóquei e nem o saco de estopa aparece no original Sexta-Feira 13. O saco na cabeça foi a primeira máscara usada por Jason em Sexta-Feira 13 - Parte 2, e a máscara de hóquei não aparece até Sexta-feira 13 - Parte 3. Com $ 42,2 mil, O remake Sexta-feira 13 - bem vindo a Crystal Lake foi o filme de maior bilheteria da série "Sexta-Feira 13"; também bateu o recorde de público entre os remakes de filmes de terror.

Que saber mais curiosidades sobre o Jason?

http://revistamonet.globo.com/coluna/2009/02/13/13-coisas-que-voce-gostaria-de-saber-sobre-jason-e-tinha-medo-de-perguntar/ Muito bom!

Breve homenagem aos filminhos de terror da infância:

Obrigada,

Servente assassino I, II, III e IV; Poeta assassino; A casa gut-gut; O ataque da cadela louca; Knife, meu coração está na caixa do correio; e A mulher do anel.

Boa Sexta-feira 13!

Estreias da Semana nos Cinemas de Manaus - 13 de Janeiro

2012-01-12T19:46:00.001-04:00

Filme: Sherlock Holmes: O Jogo das Sombras

Direção: Guy Ritchie

Elenco: Robert Downey Jr., Jude Law, Noomi Rapace, Jared Harris

Sinopse: Quando o príncipe herdeiro da Áustria é encontrado morto, a prova, interpretada pelo Inspetor Lestrade, aponta para suicídio. Mas Sherlock Holmes deduz que o príncipe tenha sido vítima de um assassinato, um assassinato que é apenas uma peça de um quebra-cabeça maior e muito mais portentoso, desenhado pelo Professor Moriarty, o mais novo e maior gênio do crime.

ONDE: Cinemark, Cinemais, Playarte e Severiano Ribeiro

Filme: Tudo Pelo Poder

Direção: George Clooney

Elenco: George Clooney, Ryan Gosling, Marisa Tomei, Evan Rachel Wood, Philip Seymour Hoffman, Paul Giamatti

Sinopse: Thriller político centrado na campanha de um candidato democrata à presidência dos Estados Unidos. Sthephen Myers é um jovem e ambicioso diretor de comunicação que não mede esforços para promover o seu candidato, o governador Mike Morris.

ONDE: Playarte

Filme: A Hora da Escuridão 3D

Direção: Chris Gorak

Elenco: Rachael Taylor, Emile Hirsch, Olivia Thirlby

Sinopse: Após um ataque alienígena que destrói a Rússia, grupo de jovens batalha para sobreviver.

ONDE: Cinemark, Cinemais, Playarte e Severiano Ribeiro

Pré-Estreia: As Aventuras de TinTin

O Grande de vilão no caminho de "Tropa de Elite 2" no Oscar 2012

2012-01-11T00:53:00.002-04:00

Por Caio Pimenta

Nos próximos dias, a Academia Cinematográfica de Hollywood deve anunciar os nove filmes que continuarão na briga pelas cinco vagas da categoria de melhor filme estrangeiro do Oscar 2012.

O representante brasileiro “Tropa de Elite 2: O Inimigo Agora é Outro” possui chances razoáveis de estar na lista final devido à boa recepção que o longa teve na imprensa especializada em cinema nos EUA, mesmo tendo ficado de fora do Globo de Ouro, considerado a prévia do Oscar.

Porém, os brasileiros devem se preparar para mais uma vez xingar os membros da Academia, pois a chance do segundo filme da saga do Capitão Nascimento sair de mãos vazias é grande.

Isso se deve principalmente a um grande fator chamado “A Separação”, filme iraniano, dirigido por Asghar Farhadi exibido recentemente no Amazonas Film Festival, do qual saiu vencedor do prêmio do júri.

O filme iraniano mostra o drama de Simin (Leila Hatami) que quer fugir do Irã com a filha e o marido Nader (Peyman Moaadi). Porém, devido a um problema de saúde do pai, Nader é impedido de fugir e desiste do plano, o que faz a esposa decidir pela separação. O problema é que as autoridades locais decidem não acatar o pedido.

"A Separação" já faturou importantes prêmios nos EUA como os prêmios de melhor filme estrangeiros pelos críticos de cinema de Nova York e Chicago, importantes centros cinematográficos do país e que tem grande repercussão no meio, além da Sociedade Nacional de Críticos de Cinema dos EUA na mesma categoria..

Outro reconhecimento à qualidade do longa veio com o prêmio da Associação dos Críticos de Cinema da Internet, na qual votam pessoas do mundo todo.

Isso para não falar do verdadeiro “rappa” que “A Separação” fez no Festival de Berlim de 2011: prêmios de melhor filme, ator e atriz.

Em uma categoria como a de melhor filme que muitos dos votantes escolhem os filmes muito mais por causa da campanha de marketing ou às conquistas obtidas durante o caminho que levam ao Oscar, as chances de “A Separação” são enormes.

No caminho de “Tropa de Elite 2” chegar ao Oscar estão ainda o candidato da Finlândia “O Porto”, “Where do We Go Now”, do Líbano, "Miss Bala", do México, "In Darkness", da Polônia" e “As Flores da Guerra”, da China e que tem Christian Bale no elenco.

As indicações ao OSCAR 2012 saem no dia 24 de janeiro e a cerimônia de premiação acontece no dia 26 de fevereiro no Kodak Theater, em Los Angeles.

Caminho duro para José Padilha e Wagner Moura!

Crítica: Cavalo de Guerra, de Steven Spielberg

2012-01-09T00:20:00.003-04:00

Por Caio Pimenta

Quatro anos pode parecer pouco e realmente é.

Porém, o hiato de Steven Spielberg com o cinema por esse tempo (o último filme dele foi o fraco "Indiana Jones e Caveira de Cristal", de 2008) parece uma eternidade em meio a tantas produções fracas vistas recentemente e alimenta, na pessoa que realmente ama cinema, uma expectativa de que algo realmente bom estar por vir.

Talvez, seja por isso que “Cavalo de Guerra” surja como um filme decepcionante.

Não que seja ruim, pelo contrário.

Porém, espera-se mais de um homem que tem no currículo clássicos do cinema como “E.T – O Extraterrestre”, “Jurassic Park” e “A Lista de Schindler”.

O filme conta a amizade entre Albert Narracott (Jeremy Irvine) e seu cavalo Joey. Após criar o eqüino e consegui-lo fazer ajudar a arar a terra de sua pobre família na fazenda onde mora, os dois são separados após o pai dele vender o animal para o exército inglês que está em direção à Primeira Guerra Mundial. A partir daí, vemos o cavalo passar por várias mãos ao longo do conflito, marcando de maneira especial a vida deles.

“Cavalo de Guerra” tem uma divisão muito clara em sua trama que situa bem o espectador no contexto da história: a primeira parte mostra um cenário colorido, tranqüilo e pacato do campo, mesmo que problemas existam na família do protagonista; já o segundo trecho é mais escuro, denso já que estamos em pleno campo de combate.

Isso é possível perceber, especialmente, pelo tom da fotografia adotada por Janusz Kaminski e pela trilha sonora do mestre John Williams.

Porém, o roteiro do filme não consegue transmitir espontaneidade nessa narrativa, tentando transformar todos os personagens que cruzam a história do cavalo em heróis ou bons moços.

Parece que a todo momento, no meio da guerra, aparece um santo que está sempre preocupado para salvar e cuidar Joey. É assim com o Capitão Nicholls (Tom Hiddleston), o qual parece se preocupar unicamente com o cavalo, com o personagem do avô e da neta e do soldado alemão que faz às vezes de veterinário.

Além disso, a direção de Spielberg se mostra equivocada no tom que adota no filme. Quando o filme pede um pouco mais de firmeza na condução da história, o diretor prefere abordar tudo da maneira mais leve possível, principalmente nas cenas de combate, que alivia a dureza da guerra para tornar tudo mais agradável e menos chocante para o espectador.

Claro que “Cavalo de Guerra” não exige a crueza da sequência inicial de “O Resgate do Soldado Ryan”, porém em “A Lista de Schindler”, por exemplo, Spielberg consegue ser um cineasta que mostra o horror com toques que chegam a ser poéticos, tamanha a sensibilidade na construção de cenas.

Aqui, ele, no máximo, consegue ser melodramático, com closes e trilhas grandiloqüentes, frases de efeito e personagens pouco convincentes.

Se “Cavalo de Guerra” fosse dirigido por Brett Ratner (“X-Men: O Confronto Final”) ou Edward Zwick (“O Último Samurai”) ou Joe Johnston (“Capitão América”) ou qualquer outro cidadão, seria, talvez, o filme da vida do sujeito.

Só que é de Steven Spielberg e isso já diz por si só.

NOTA: 7,0

Ps: Ainda há esperanças, pois no dia 20 de janeiro, chega aos cinemas “As Aventuras de Tintin”. Se Spielberg conseguir errar nesse, desisto!

Estreias da Semana nos Cinemas de Manaus - 6 de Janeiro

2012-01-05T21:33:00.000-04:00

Filme: Cavalo de Guerra

Diretor: Steven Spielberg

Elenco: Jeremy Irvine, Tom Hiddleston, David Thewlis

Sinopse: O filme mostra a história de amizade entre um cavalo chamado Joey e o jovem Albert (Jeremy Irvine), que o domestica e o treina, na Inglaterra. Quando Joey é vendido à cavalaria e mandado para o combate durante a Primeira Guerra Mundial, eles são forçados a se separar e Albert inicia sua jornada em busca do amigo, na França, inspirando a vida de todos que encontra em seu caminho.

ONDE: Cinemark, Cinemais, Playarte e Severiano Ribeiro

Filme: Um Dia

Diretor: Lone Scherfig

Elenco: Anne Hathaway, Jim Sturgess, Tom Mison

Sinopse: Depois de terem passado na universidade o dia da sua formatura juntos - 15 julho de 1988 -, Emma (Anne Hathaway) e Dexter (Jim Sturgess) começam uma amizade que irá durar a vida inteira. Ela é uma moça tímida e ambições, mas carece de autoconfiança. Ele é um irresistível playboy que sonha fazer do mundo o seu recreio. Durante as duas décadas que se seguem, momentos importantes do seu relacionamento são vividos ao longo de vários dias 15 de julho das suas vidas. Juntos ou separados, acompanhamos Dex e Emma por meio de sua amizade, discussões, esperanças e oportunidades perdidas, risos e lágrimas.

ONDE: Playarte

Filme: As Aventuras de Agamenon – O Repórter

Diretor: Victor Lopes

Elenco: Marcelo Adnet, Hubert, Rui Castro, Luana Piovani

Sinopse: Um falso documentário, uma comédia sobre a vida do lendário jornalista Agamenon Mendes Pedreira (Hubert), personagem fictício que assina a coluna publicada na edição dominical do jornal O Globo. Agamenon é um jornalista que teria nascido no final do século 19 e estaria vivo até hoje, estando presente em diversos momentos importantes históricos do século 20, tendo sempre uma versão única dos acontecimentos. Participações especiais de Fernando Henrique Cardoso, Jô Soares, Paulo Coelho e Caetano Veloso, que dão depoimentos antológicos sobre o repórter.

ONDE: Cinemark, Cinemais, Playarte e Severiano Ribeiro

Filme: Alvin e os Esquilos 3

Diretor: Mike Mitchell

Elenco: Jason Lee e vozes na versão original de: Anna Faris, Justin Long, Matthew Gray Gubler, Christina Applegate

Sinopse: Em um luxuoso cruzeiro, Alvin, Simon, Theodore e as Esquiletes estão agindo como de costume, transformando o navio em seu playground pessoal, até que eles ficam encalhados em uma ilha deserta. Enquanto Dave Seville procura neuroticamente por sua equipe desaparecida, os 'Esquilos e as Esquiletes' fazem o que fazem de melhor - cantam, dançam e causam confusão. Mas eles terão uma surpresa quando embarcam em uma aventura insular com seu novo amigo - um náufrago que é mais do que páreo para Alvin e os Esquilos.

ONDE: Cinemark, Cinemais, Playarte e Severiano Ribeiro

Melhores e o Pior de 2011 no Cinema

2012-01-02T18:09:00.008-04:00

Por Caio Pimenta

2011 é um ano que o cinema deveria esquecer.
E provavelmente vai.

Nenhum filme conseguiu causar frisson ou mesmo chamou a atenção de maneira geral.
Exceções de Harry Porter e Crepúsculo que, pelos inúmeros fãs, sempre causam aquele oba-oba, nada houve de diferente.

A lista que você vai conferir abaixo reflete bem isso.

Qual desses filmes de todos inclusos será um clássico?
Ou será lembrado daqui a algum tempo?

Certamente serão poucos ou quase nenhum.

Que 2012 traga bons e diferentes ventos ao cinema!

MELHOR FILME

A Árvore da Vida
Meia-Noite em Paris
Toda Forma de Amor
X-Men – Primeira Classe
Exit Through The Gift Shop

Explicação: em um cinema tão tolo e rasteiro como o atual, no qual qualquer pensamento é rejeitado e o silêncio de uma bela cena é esquecido, "A Árvore da Vida" é uma belíssima exceção. Com sua filosofia e questionamentos sobre a vida, morte e Deus, o longa é um obra difícil, porém fantástica para aqueles que se propõe a tentar entender toda aquela "loucura" que vemos.

MELHOR DIRETOR

Terrence Malick – A Árvore da Vida
Woody Allen – Meia-Noite em Paris
Banksy - Exit Through The Gift Shop
Beto Brant – Eu Receberia as Piores Notícias de Seus Belos Lábios
Carlos Saldanha – Rio

Explicação: nunca fui muito fã de Terrence Malick nem entendia porque tantos astros de Hollywood faziam de tudo para fazer um filme com ele. Afinal de contas, "Além da Linha Vermelha" e "O Novo Mundo" são obras muito mais visualmente bonitas do que bons filmes com ótimas histórias. Dessa vez, ele conseguiu unir ambos e fez sua obra-prima.

MELHOR ATOR

Colin Firth – O Discurso do Rei
James Franco – 127 Horas
Andy Serkis – O Planeta dos Macacos – A Origem
Daniel Radcliffe – Harry Porter e as Relíquias da Morte – Parte II
Rodrigo Santoro – Meu País

Explicação: em ano tão fraco de atuações masculinas, fui com o Oscar e dei meu prêmio para Colin Firth pela belíssima atuação em "O Discurso do Rei". Tomara que ele agora deixe um pouco de lado as comédias românticas e seu clássico personagem de desengoçado-simpático-que-sempre-se-ferra-mas-acaba-com-a-mocinha-no-final-apesar-de-tudo.

MELHOR ATRIZ

Camila Pitanga - Eu Receberia as Piores Notícias de Seus Belos Lábios
Kristen Dunst – Melancolia
Natalie Portman – Cisne Negro
Hailee Steinfeld – Bravura Indômita
Deborah Secco – Bruna Surfistinha

Explicação: por que? Por que tantas atuações femininas fantásticas em um só ano? No palitinho, fico com a fenomenal atuação de Camila Pitanga em "Eu Receberia as Piores Notícias de Seus Belos Lábios" exibido no Amazonas Film Festival para alguns gatos-pingados. Para quem acha que a Bebel da novela que não me lembro o nome foi a grande personagem da atriz, não viu nada.

MELHOR ATOR COADJUVANTE

Alan Rickman - Harry Porter e as Relíquias da Morte – Parte II
Christopher Plummer – Toda Forma de Amor e A Última Estação
Michael Sheen – Meia-Noite em Paris e Tarde Demais

Explicação: pega o começo da explicação de Melhor Atriz e coloca aqui. Michael Sheen vem sendo um dos melhores atores dos últimos anos e em, 2011, se superou. Plummer tem a atuação que lhe deve dar o Oscar de ator coadjuvante neste ano. Porém, ver o que Alan Rickman fez na série "Harry Porter" como Snape e não homenageá-lo seria um injustiça tremenda.

MELHOR ATRIZ COADJUVANTE

Melissa Leo – O Vencedor
Rose Byrne – Missão Madrinha de Casamento
Charlotte Gainsbourg – Melancolia

Explicação: Melissa Leo e Christian Bale são a alma de "O Vencedor". Sem os dois, nada seria do filme. O intérprete de Batman, porém, tinha fortes concorrentes, diferente de Melissa que dominou tranquilamente sua categoria.

MELHOR FILME DE AÇÃO,AVENTURA,SUSPENSE

X-Men – Primeira Classe
Bravura Indômita
Harry Porter e as Relíquias da Morte – Parte II

Explicação: "X-Men" não causa metade do frisson de um "Batman", "Homem-Aranha" e "Homem de Ferro" quando chega aos cinemas, porém, não há série mais regular que ela. Exceto o filme solo de Wolverine, só tem filmaço.

MELHOR FILME DE DRAMA

A Árvore da Vida
O Discurso do Rei
127 Horas

Explicação: "O Discurso do Rei" ainda tentou, mas não deu. Já "127 Horas" está aí porque tem que completar três, porque está anos-luz dos dois primeiros.

MELHOR FILME DE COMÉDIA,ANIMAÇÃO,MUSICAL

Meia-Noite em Paris
Toda Forma de Amor
Amor a Toda Prova

Explicação: Woody Allen é impressionante. Uma pessoa que faz a quantidade de filmes que ele realiza erraria muito mais que acertaria, porém, no caso dele é o oposto. "Meia-Noite em Paris" é um de seus melhores filmes e prova que longe de Nova York, Woody Allen tem funcionado muito bem.

MELHOR CENA DO ANO

Surgimento do Universo e Vida na Terra – A Árvore da Vida
Duelo em Cuba durante Crise dos Mísseis – X-Men: Primeira Classe
Momento em que Oliver e Ana se conhecem – Toda Forma de Amor
Harry Porter X Lorde Voldemort - Harry Porter e as Relíquias da Morte – Parte II
Primeira relação sexual de Bruna Surfistinha como prostituta - Bruna Surfistinha

Explicação: o sentido que o surgimento do Universo e da Vida na Terra traz a "A Árvore da Vida" é capaz de despertar três olhares: ou somos abençoados ou somos um nada. O terceiro? Você não entendeu nada do longa e perdeu a grandeza do melhor filme de 2011.

MELHOR ROTEIRO

Meia-Noite em Paris
Toda Forma de Amor
X-Men – Primeira Classe

Explicação: onde já se viu tamanha criatividade, bom humor e inteligência em 2011 nos cinemas quanto nas conversas de Gil (Owen Wilson) com nomes como Salvador Dalí, T.S Eliott, F. Scott Fitzgerald, Pablo Picasso, Luis Buñuel, entre outros?

MELHORES EFEITOS ESPECIAIS

Rio
Sucker Punch – Mundo Surreal
Planeta dos Macacos – A Origem

Explicação: o amor de Carlos Saldanha pelo Brasil e o Rio de Janeiro impressiona. Cada cantinho da Cidade Maravilhosa é retratado com tantas cores e detalhes que mostra o cuidado de uma equipe dedicada ao seu melhor. Pena o roteiro não acompanhar toda a qualidade técnica.

PIOR FILME

Brasil Animado 3D
A Saga Crepúsculo – Amanhecer – Parte I
Assalto ao Banco Central
Água Para Elefantes
Uma Manhã Gloriosa

Explicação: em ano durissímo nessa categoria, "Brasil Animado 3D" se superou e conseguiu levar esse desonroso prêmio. Um filme que em 20 minutos já dá a impressão de ter passado três horas não pode conseguir outra coisa. Triste que o cinema brasileiro tenha emplacado dois longas nessa categoria, sinal de que, nem sempre, boas bilheterias correspondem em qualidade.

Christmas Movie: A felicidade não se compra (1946)

2011-12-25T10:00:00.000-04:00

por Jéssica Santos

Se existe um filme que simbolize o espírito de natal, a união da família e a esperança por uma vida melhor, “A felicidade não se compra” (It’s a wonderful life) é esse filme. Frank Capra realizou o filme para valorizar a bondade e os sonhos das pessoas comuns e humildes. O filme foi o primeiro feito pelo diretor após a 2ª grande Guerra, e teve um significado importante, pois o longa passa a mensagem de que se deve sempre acreditar nos sonhos e numa vida melhor, então passou esperança para os norte-americanos.

A história foi baseada em “The greatest gift”, um conto escrito em um cartão de natal, de Philip Van Doren. No filme, o protagonista George Bailey (James Stewart) é um homem simples e bom. Ele cresceu na pequena cidade de Bedford Falls (Connecticut), entretanto almeja conhecer o mundo. Isso não é possível para ele porque tem muitas responsabilidades. Possui mulher (Donna Reed) e filhos maravilhosos e ajuda os trabalhadores da cidade a comprar suas casas. O grande problema de sua vida surge quando o banqueiro da cidade (Lionel Barrymore) ameaça confiscar a poupança de sua família para que ele pague suas dívidas. Sem saber o que fazer, George tenta suicídio saltando de uma ponte. Mas ele não morre, como um milagre, seu anjo Clarence (Henry Travers) surge para lhe mostrar o que aconteceria se ele tirasse sua própria vida, deixando todos que ama. Sua vida, a de seus próximos e até mesmo o destino do anjo dependem de George, que precisa se convencer do valor que possui no mundo, independente dos problemas que tem.

O filme tem, ainda, alguns pontos enriquecedores, que o ajudaram a se tornar um clássico. Sua mensagem motivadora e de esperança é notável, e ao mesmo tempo o filme mostra que nossas escolhas são decisivas não apenas para nós mesmos, mas para todos à nossa volta. Além disso é um filme engraçado e que não esquece de fazer uma breve análise (e crítica) da nossa sociedade. Concorreu ao Oscar® de melhor filme, direção, melhor ator (Stewart), edição e som, mas não levou nenhum prêmio. Sua recompensa foi o amor que conquistou do público. Em junho de 2006, o filme foi eleito o filme americano mais inspirador dos últimos 100 anos, pelo American Film Institute.

Capra sabia que os americanos haviam sofrido muito durante a Depressão dos anos 1930, e agora queria celebrar a prosperidade. Daí o impacto emocional do filme até mesmo naquelas pessoas mais descrentes.

Apesar de todos os anos serem lançados vários filmes natalinos, inclusive alguns amados como “Esqueceram de mim”, “O expresso polar” e “Os fantasmas de Scrooge”, “A felicidade não se compra” ainda é, passados 65 anos do seu lançamento, um dos mais (se não o mais) queridos filmes de natal dos americanos, que o assistem todo ano. E não é para menos, já que todo mundo adora ver uma história que traga otimismo, alegria e espírito natalino nessa época do ano. Será difícil você não se emocionar.

Filmes esquecíveis de 2011

2011-12-23T21:50:00.001-04:00

Por Caio Pimenta

Essa é a lista daqueles filmes que não são nem bons ou ótimos.
Também considerá-los ruins ou péssimos seria injusto.

Eles caem na pior definição que pode acontecer para um filme: serem esquecíveis, daqueles que quando você assiste na TV só vai se tocar que viu quando já tiver com 40 minutos de duração.

Aí vai a lista de 2011:

Santuário

Besouro Verde

Sem Limites

Passe Livre

Invasão do Mundo: Batalha de Los Angeles

Vips

As Mães de Chico Xavier

Pânico 4

Eu Sou o Número 4

Padre

Qualquer Gato Vira-Lata

Desconhecido

Lanterna Verde

Professora Sem Classe

Splice –A Nova Espécie

Cowboys & Aliens

Os Pingüins do Papai

Quero Matar Meu Chefe

Sem Saída

Não Tenha Medo do Escuro

O Preço do Amanhã

Gato de Botas

Estreias da Semana nos Cinemas de Manaus - 23 de Dezembro

2011-12-22T23:30:00.000-04:00

Filme: Missão Impossível: Protocolo Fantasma

Direção: Brad Bird

Elenco: Tom Cruise, Jeremy Renner, Simon Pegg

Sinopse: Acusado pelo bombardeio terrorista ao Kremlin, o agente da IMF Ethan Hunt (Tom Cruise) é desautorizado com o resto da agência quando o presidente dá início ao “Protocolo Fantasma”. Deixado sem qualquer recurso ou apoio, Ethan tem de encontrar uma maneira de limpar o nome de sua agência e prevenir um outro ataque. Para complicar mais as coisas, ele é forçado a assumir esta missão com uma equipe de colegas fugitivos da IMF, cujos motivos pessoais não conhece completamente.

ONDE: Cinemark, Cinemais, Playarte e Severiano Ribeiro

Filme: Compramos um Zoológico

Direção: Cameron Crowe

Elenco: Matt Damon, Scarlett Johansson, Elle Fanning

ONDE: Cinemark, Cinemais e Playarte

Filme: A Fera

Direção: Daniel Barnz

Elenco: Vanessa Hudgens, Alex Pettyfer, Mary-Kate Olsen

Sinopse: Kyle Kingson (Alex Petty) é um jovem que tem tudo: inteligência, beleza, riqueza e boas oportunidades, mas possui uma personalidade perversa e cruel. Após humilhar uma colega de classe, ele é amaldiçoado por ela para se tornar tudo o que ele despreza. Nervoso com a sua nova e horrível aparência, Kyle vai atrás da garota e descobre que só terá a sua beleza de volta se fazer com que alguém consiga amá-lo, algo que ele considera impossível.

ONDE: Cinemark e Cinemais

Cult Movies: Piaf – Um hino ao amor (2007)

2011-12-21T11:27:00.000-04:00

por Jéssica Santos

Piaf (La Môme) é a biografia de uma mulher extraordinariamente talentosa, contada de forma tocante e bonita. Sua história é tão cheia de tragédias, que poderia ser enredo para vários filmes! Este mostra a vida da cantora Edith Piaf, apresentando os momentos mais importantes e cruciais de sua difícil vida, além de trazer à tela uma mulher cheia de personalidade e apaixonada pela música.

Filha de uma cantora de rua e um acrobata de circo, Piaf foi abandonada pelos pais. Na infância, ficou temporariamente cega. Nessa época vivia num bordel com sua avó, onde foi deixada pelo pai, e uma das prostitutas a adotou, até que seu pai voltou, e a levou para trabalhar para ele num circo. Aprendeu muitas canções ouvindo sua mãe e a prostituta, e um dia, quando o público pediu que a criança fizesse algum número artístico, seu pai ordenou-lhe: ― Faça algo! E a menina cantou "La Marselha”. Assim surgiu a brilhante cantora, Edith Piaf.

A vida da cantora foi marcada pelo seu talento e sucesso, mas também pelas várias tragédias pessoais com as quais teve que lidar. Não vou enumerá-las, se ainda não assistiu, veja o filme! O que vale a pena ressaltar é a atuação de Marion Cotillard, que ganhou o Oscar® pelo seu desempenho, e com merecimento!

A atriz ficou idêntica à cantora, não apenas pela maquiagem impecável (também vencedora do Oscar®), mas pela sensibilidade que a atriz conseguiu transmitir ao público, mostrando fielmente Piaf, nos seus momentos mais difíceis, e também nos momentos de alegria. Marion Cotillard manifestou seu valor ao conseguir transmitir a essência da cantora, através de seus gestos e tons de voz fortes, expressões marcantes, enfim, com sua atuação brilhante e memorável.

Pode-se comparar a vida de Piaf à da grande atriz Judy Garland, que também sofreu bastante. Garland viveu para a lisonja do público, e Piaf viveu para cantar. Uma artista de voz tão alta e clara, tão grande para uma pequenina mulher.

A vida de Piaf não é contada no tempo linear em que se deu. Dahan e sua co-escritora, Isabelle Sobelman tiveram a acertada ideia de levar a ação para trás e para frente, e isso deu ao filme, um ritmo e um resultado muito interessante. Numa cena, uma menininha que precisa aprender a lidar com as dificuldades da vida; noutra, a moléstia final a suportar. Numa tomada, as aclamações do público; em outra, a desesperança total. Assim, sua vida é contada, da alegria até o coração destruído ― pela notícia da morte de seu grande amor, Marcel (Jean-Pierre Martins), numa das melhores cenas do filme.

Apesar de alguns criticarem o estilo biografia-mosaico que foi usado no filme, alegando ofuscar alguns pontos e detalhes de sua vida, é inegável que o longa consegue mostrar tudo que de mais importante aconteceu na vida de Edith Piaf. Sabemos não dos números, mas dos sentimentos e elementos que a acompanharam em sua trajetória.

Apesar da narrativa não-linear, não há dúvida, em nenhuma cena, de que momento da vida da cantora está sendo mostrado. O excelente trabalho de maquiagem de Didier Lavergne e jan Archibald tem sua contribuição nesse ponto, também. Marion Cotillard, que é belíssima, está quase irreconhecível no filme, graças à produção que a fez ficar com o rosto de Piaf; ora muito bonita e jovem, ora bastante envelhecida, aos 47 anos, apenas, como Piaf ficou.

Além de toda a excelente produção, fotografia, atuação, há as músicas! O filme é sonorizado com as belas músicas de Edith Piaf, como "La vie en rose", "Hymne à l'amour" e "Milord"; muitas cantadas pela própria, outras cantadas por outras cantoras e pequenos trechos, por Marion Cotillard! Outro ótimo motivo para assistir a esse grande filme! A brilhante e magoada Piaf, apresentada através da grande visão do diretor Oliver Dahan, é um programa imperdível. Mas quando ela cantar: Non, je ne regrette rien, você entenderá que para ela tudo valeu a pena, e não, ela não se arrepende de nada.

Filmes do barulho

2011-12-14T17:26:00.000-04:00

Por Renildo Rodrigues

Em algum momento de sua história, o cinema deixou de ser algo especial, reverenciado, uma arte para a qual se construíam salas como as de teatro ou concertos, que exigia concentração e ensejava a análise, para ser só mais uma loja do shopping, uma na qual se entra para comer pipoca e tomar refrigerante, e se é entretido com algo de valor não mais duradouro (ou nutritivo).

Estou sendo duro demais? Pode ser. Filmes-passatempo são uma constante desde que o cinema é cinema, e muitos deles são realmente saborosos de se ver, alguns até tendo se tornado plats no menu clássico (No Tempo das Diligências, Psicose e Tubarão já foram vistos assim um dia). Os cine-palácios, que antes abrigavam até atrações musicais (Carmen Miranda e Frank Sinatra, entre outros, já foram estrelas desses lugares) e possuíam estruturas imponentes, com milhares de assentos, há muito foram extintos. Um processo, se não natural, inevitável.

O problema é o comportamento que as pessoas passaram a ter no cinema. Não é raro, aqui em Manaus (como em todas as demais cidades brasileiras), os espectadores de um filme conversarem sem parar durante a sessão, espicharem os pés sem dó ao lado ou mesmo atrás de outra pessoa, gritarem, passearem, falarem ao celular, até levarem um radinho pra acompanhar o Brasileirão (acreditem, vi isso em uma sessão recente). Assistindo mesmo ao filme, quem, um? Dois? Deve ser muito.

O que há que faz essas pessoas pagarem um preço muitas vezes alto pra assistir a um filme, se não é o que elas desejam? E quem está lá pra isso, como fica? Cinema não é um lugar público; pode abrigar um bom número de pagantes, mas tem suas regras próprias de comportamento, entre elas o silêncio e a atenção. Quem achar que é pedir muito está autorizado a não ir: pode gastar seus suados tempo e dinheiro em lugares onde se pode falar à vontade, a todo volume, e não é preciso prestar atenção nas coisas chatas que acontecem na tela – um bar, por exemplo –, e, o que é melhor, sem precisar entrar em atrito com esses malas que, como eu e você, vão ao cinema para assistir – vejam só que coisa estranha – um filme.

Crítica - Um filme de Almodóvar, A Pele que Habito

2011-12-12T16:50:00.009-04:00

Por Emanuelle Canavarro

Eis aqui uma película curiosa, em uma mistura de amor, ódio, vingança e a intensa busca pelo, até então, inalcançável.

Em nossa época, Pedro Almodóvar é o diretor que mais se identifica com o que chamam de ‘cinema de autor’. Assim como um escritor, ele possui universos, repertório de personagens e situações aos quais volta sempre – carregando o trunfo de elevar o exagero ao estado da arte e, por vezes, utilizar-se de um modelo incrivelmente folhetinesco. Quando se discorre sobre o estilo interpretativo de seus atores, ‘teatral’ é a qualificação. Ao analisar os cenários de seus filmes, alguns críticos, por mais incrível que possa parecer, podem classificá-los como ‘brega’ – outro dia, o escritor e ensaísta David Denby, da revista The New Yorker, caiu na besteira de dizer que as famosas cores que aparecem em seus filmes lembram as usadas em departamentos de lojas em liquidação (~~oi? eu me chamo arte, muito prazer!~~). A verdade, é que estamos diante de um gênio do cinema, com uma linguagem única, um dos poucos cineastas capazes de ver sua arte como convergência de outras – seja teatro, pintura ou música.

Com pouco mais de 35 anos de carreira, ele levou grandes obras ao público admirador de um cinema irreverente e original. Suas tramas, sempre focadas na imprevisibilidade dos personagens, alcançaram os limites do drama em “Fale com Ela”, ou a comédia kitsch em “Mulheres à Beira de um Ataque de Nervos”. A Pele que Habito experimenta um thriller, com inspiração no romance “Tarântula” (1995), do escritor francês Thierry Jonquet (1954-2009). O filme não mostra aquela espécie de horror da qual estamos acostumados, do tipo ‘espreme-sai-sangue’ ou com psicopatas mascarados, zumbis e aliens – mas, ele está ali, em cada detalhe, disfarçado de pânico psicológico.

O personagem central, Robert Ledgard (interpretado por Antonio Bandeiras, que volta a filmar com o diretor depois de 20 anos), é um bem-sucedido cirurgião plástico. Após a trágica morte de sua esposa, que teve o corpo todo incinerado depois de um acidente, ele inicia uma delirante busca pela ‘pele perfeita’, utilizando a fria filosofia de que os fins justificam os meios. E a sua obsessão não para por aí, embora negue, nosso Dr. Frankenstein, do mundo moderno e tecnológico, começa a recriar sua mulher – e detalhe: utilizando um homem como cobaia. Burlando princípios éticos da medicina e escondendo suas fontes da comunidade científica, Ledgard mistura DNA humano com suíno e dá um passo gigantesco em suas pesquisas, obtendo uma pele com rigidez e resistência à dor – ~~o Super-Homem que se cuide!~~

Ironias à parte, a história tão futurista se passa no sugestivo ano de 2012. No palacete bizarro do médico, mais precisamente em um dos seus salões, uma belíssima mulher desperta atenção e atiça nossa curiosidade: Vera, a cobaia (interpretada pela atriz Elena Anaya). Nela, ele testa a pele artificial e mantém um exercício de voyeurismo. As respostas, como de praxe, vêm numa cena de volta ao passado – que esclarece, ao mesmo tempo, a loucura de Robert e o desconforto da ‘belezinha plástica’. O fato de que ele está tentando recriar a sua mulher por meio da ciência, é mais do que evidente. Mas, como na outra cena, a evidência é só a derme – uma primeira camada.

Utilizando um recurso de ir e voltar no tempo, o enredo se desenrola em seis anos, acompanhando as obscuras transformações de Vincent (interpretado por Jan Cornet) – a princípio, um personagem sem importância alguma e que, de repente, rouba a cena e se transforma no centro das atenções (se você ainda não viu o filme e é do tipo que odeia quando um amigo vem e revela o desfecho da história, não termine de ler este parágrafo e pule imediatamente para o próximo, pois farei uma revelação capaz de surrupiar o glamour da sua percepção narrativa, apesar de já tê-la feito nas entrelinhas). 3,2,1.. – ops, ele se transforma em Vera. Sim, depois de ser sequestrado pelo Dr. Frankenstein e ter passado por intermináveis manipulações cirúrgicas, incluindo a troca de sexo, Vincent se tornou Vera – uma espécie de clone da falecida esposa do médico.

A desordem psicológica dos personagens ganha uma conotação magistral, fazendo com que ali não tenhamos vilões nem mocinhos, mas somente pessoas presas em novos mundos, apesar dos pesares. E, a todo o momento, percebemos que o clima aflitivo é sustentado em meio às questões que sempre motivam o cineasta, como a transexualidade – se trocássemos de corpo, trocaríamos necessariamente de identidade? Ou a memória é a carne que não se corta, o lar que não se tira?

As reviravoltas da trama são tantas, que acaba sobrando pouco espaço para desenvolver o ‘mundo interior’ dos personagens – quando relembram acontecimentos, parece que estamos diante de uma novela - sabe quando o milionário revela ser pai do galã pobretão? E, de repente, tudo começa a fazer sentido? Eis que a particularidade folhetinesca de Almodóvar entra em cena. Fora isso, o filme expõe flashbacks alucinantes, cheio de idas e vindas, com esclarecimentos que geram novas dúvidas (mas sem que o espectador se perca), numa espiral inquietante, marcada pela trilha sonora de Alberto Iglesias – que pontuou essencialmente os níveis de tensão, a ousadia e o surpreendente desfecho das cenas.

A salada de gêneros, que pode ir do filme noir ao melodrama, da comédia escrachada à ficção científica, em um mesmo filme – ou, ainda, numa única cena – é uma marca registrada de Almodóvar. Com um roteiro mirabolante, beirando o inverossímil, A Pele que Habito gruda nossos olhos na telona e desponta como um exagero de criatividade e talento que foge aos clichês sobre o cinema de arte. Uma obra que está pronta para ser aclamada pelos próximos anos e, claro, a minha primeira indicação ao Oscar.

Nota: 9,5

Estreias da Semana nos Cinemas de Manaus - 9 de Dezembro

2011-12-09T01:27:00.000-04:00

Filme: O Gato de Botas
Direção: Chris Miller
Elenco: Vozes na versão original de: Antonio Banderas, Salma Hayek, Zach Galifianakis, Billy Bob Thornton
Sinopse: Muito antes de conhecer Shrek, o notório lutador e sedutor Gato de Botas (voz de Antonio Banderas) torna-se um herói ao sair em uma aventura com a durona e malandra Kitty Pata-Mansa (Salma Hayek) e o astuto Humpty Alexandre Dumpty (Zach Galifianakis) para salvar sua cidade. Complicando a situação, os fora da lei Jack (Billy Bob Thorton) e Jill (Amy Sedaris) fazem de tudo para ver o Gato de Botas e seu bando fracassarem. Essa é a verdadeira história do Gato, do Mito, da Lenda... e, é claro, das Botas.
Onde: Cinemark, Cinemais, Playarte e Severiano Ribeiro

Filme: Noite de Ano Novo
Direção: Garry Marshall
Elenco: Robert De Niro, Hilary Swank, Sofía Vergara, Ashton Kutcher, Michelle Pfeiffer, Sara Paxton, Sarah Jessica Parker
Sinopse: Após entrelaçar várias histórias românticas ambientadas no Dia dos Namorados em Idas e Vindas do Amor, o diretor Gary Marshall intercala narrativas de casais e solteiros, em meio à pulsação e promessas da cidade de Nova York, na noite mais deslumbrante do ano, a de passagem de ano.
Onde: Cinemark, Cinemais e Playarte

Semana do Cine Vídeo Tarumã

2011-12-04T19:02:00.000-04:00

O Cine Vídeo Tarumã prepara uma programação especial para esta semana!

E bote especial nisso!

Nada menos que três grandes sucessos dos últimos anos, todos indicados ao Oscar de Melhor Filme.

Sabe o que é melhor?

Exibidos de forma gratuita!

As sessões acontecem a partir de 12:30hrs no Auditório Rio Negro, localizado no Instituto de Ciências Humanas e Letras – ICHL, Coroado I, Campus Universitário.

Vamos à programação:

Filme: Bastardos Inglórios

Diretor: Quentin Tarantino

Elenco: Brad Pitt, Diane Kruger, Mélanie Laurent, Christoph Waltz
Sinopse: Durante a Segunda Guerra, na França ocupada pelo exército alemão, a jovem Shosanna Dreyfus (Mélaine Laurent) testemunha a execução da família pelo coronel nazista Hans Landa (Christoph Waltz). Porém, ela consegue escapar e passa a viver sob a identidade de uma proprietária de cinema em Paris, enquanto aguarda o momento certo para se vingar. Ainda na Europa, o tenente Aldo Raine (Brad Pitt) organiza um grupo de soldados judeus para lutar contra os nazistas. Conhecido pelo inimigo como "Os Bastardos", o grupo de Aldo recebe uma nova integrante, a atriz alemã e espiã disfarçada Bridget Von Hammersmark (Diane Kruger), que tem a perigosa missão de chegar até os líderes do Terceiro Reich.
Quando: Segunda-Feira (05/12)

Filme: 127 Horas

Diretor: Danny Boyle

Elenco: James Franco, Lizzy Caplan, Kate Mara
Sinopse: Cinebiografia de Aron Ralston (James Franco), alpinista que, ao se aventurar pelas montanhas de Utah, ficou preso por 127 horas - cinco dias - com uma pedra em cima de seu braço. Não aguentando mais a dor e sem ninguém que pudesse ajudá-lo, Ralston decidiu amputar o membro superior com uma faca que levava consigo. Sem o braço, o alpinista escalou cerca de 20 metros.
Quando: Terça-Feira (06/12)

Filme: Cisne Negro

Diretor: Darren Aronofsky

Elenco: Natalie Portman, Vincent Cassel, Mila Kunis
Sinopse: Apoiada pela mãe, uma bailarina aposentada, Nina (Natalie Portman), se dedica totalmente à companhia de dança de balé da qual faz parte. A grande oportunidade da jovem surge quando o diretor artístico Thomas Leroy (Vicent Cassel) procura por uma dançarina para protagonizar O Lago dos Cisnes. Lily (Mila Kunis) tem toda a aptidão para a sensualidade do Cisne Negro, enquanto Nina se mostra ideal para viver o Cisne Branco, inocente e gracioso. Nesta disputa, Nina passa a conhecer melhor o seu lado sombrio e este autoconhecimento pode ser destrutivo.
Quando: Quarta-Feira (07/12)

Cult Movie - O Silêncio dos Inocentes (1991)

2011-12-03T12:03:00.002-04:00

Por Jéssica Santos

Esta história envolvente e perturbadora está completando 20 anos, e nos faz lembrar de como um filme de suspense policial pode ser de grande valor para a sétima arte.

O medo é uma sentimento universal e atemporal. "O Silêncio dos Inocentes", adaptado do romance de Thomas Harris, é um filme que traz o medo de forma singela, mérito de Jonathan Demme . É o filme sobre dois dos personagens mais memoráveis da história do cinema, Clarice Starling e Hannibal Lecter, e sua relação estranha e carregada de tensão.

"O Silêncio dos Inocentes" é a história de Clarice Starling (Jodie Foster), do FBI, a quem acompanhamos durante todo o longa. O Dr. Hannibal Lecter se encontra no íntimo da história, uma presença nociva, mas de alguma forma simpática – isso porque ele gosta de Clarice, e a ajuda. Lecter (Anthony Hopkins) é o espetáculo, e Clarice é sua estrela.

Chegamos ao serial killer através dos olhos de uma jovem mulher. E embora os dois pareçam completamente diferentes, na verdade, compartilham semelhanças. Ambos são castrados pelos mundos que querem habitar - Lecter, pela raça humana, porque é um serial killer e um canibal, e Clarice, pela profissão de aplicação da lei, porque ela é uma mulher. Ambos se sentem inúteis - Lecter, porque está trancado em uma prisão de segurança máxima, e Clarice, porque ela é cercada por homens que se edificam sobre ela e a tocam com os olhos todo o tempo. Ambos abusam dos seus poderes de persuasão para fugir de emboscadas. Além disso, os dois tiveram uma infância que deixou feridas.

O foco de “O silêncio dos inocentes” é a interação entre Foster e Hopkins. Farejadora ansiosa e determinada a resolver o mistério que lentamente começa a tomar conta de tudo, Foster é sinônimo de determinação e vulnerabilidade (o significado do título fazendo cada vez mais sentido). Já Hopkins desempenha seu papel com o tipo de pessoa gelada e inteligente.

Não é à toa que esse filme é cultuado pela sociedade. Muito inteligente, o longa-metragem nos leva à essência da história através de estratégias visuais e sonoras. Aguçando nossos sentidos a favor das sensações que, inevitavelmente, sentiremos. Com terror contido, não precisa imergir no sangue e na histeria. A ameaça existe em pequenos lugares, aos olhos de Hopkins, ou representada pelo Buffalo Bill.

Visualmente, note que Lecter, na sua cela da prisão, e Buffalo Bill (o serial killer procurado), em seu porão, vivem em mundos paralelos. Fato evidenciado pelas cenas em que Starling vai encontrá-los e para chegar até “seus mundos” precisa descer vários lances de escada e passar por várias portas. Outro ponto é a forma como o filme dar ares de sempre estar à procura de Clarice: A câmera assume o lugar dos homens examinando sua vida, e quando ela entra em lugares arriscados, ela está lá esperando por ela em vez de segui-la.

Sonoramente, a trilha do filme também é bem interessante por ser inovadora. Exalações e suspiros em muitos pontos, como quando o casulo da mariposa cigana é retirado da garganta de primeira vítima de Bill. Muita respiração carregada. Ruídos subterrâneos e gritos distantes, em pontos cruciais. O som de um monitor cardíaco. Música triste de Howard Shore dá o tom funesto. Quando o objetivo é amedrontar, como quando Clarice está no porão da casa de Bill, seu medo ofegante, o som da respiração pesada de Bill e os gritos da menina em cativeiro são misturados; e em seguida o latir agitado de um cachorro surge.

Jodie Foster e Anthony Hopkins ganharam o Oscar® de melhor atriz e ator. Hopkins tem tempo de tela muito menor do que Foster, mas se tornou inesquecível para o público, desde sua entrada, na primeira cena em que aparece. O filme também ganhou os prêmios de melhor filme, direção de Jonathan Demme e roteiro de Ted Talley, e foi nomeado para a edição e som. Um filme como esse não poderia ser ignorado, e poucos foram os que ganharam os cinco prêmios principais do Oscar®!

Com uma história tão envolvente, atuações soberbas, personagens memoráveis e fascinantes, você deve ser fã desse filme. E, claro, se ainda não viu, assista para fazer a sua própria impressão sobre Lecter também.

Nota: 9.0

Estreias da Semana nos Cinemas de Manaus - 2 de Dezembro

2011-12-01T22:53:00.000-04:00

Filme: A Pele que Habito

Diretor: Pedro Almodóvar

Elenco: Antonio Banderas, Elena Anaya, Marisa Paredes

Sinopse: Richard Ledgard (Antonio Bandeiras) é um cirurgião plástico que, após a morte da sua mulher num acidente de carro, se interessa pela criação de uma pele com a qual poderia tê-la salvo. Doze anos depois, ele consegue cultivar esta pele em laboratório, aproveitando os avanços da ciência e atravessando campos proibidos como os da transgênese com seres humanos. No entanto, este não será o único delito que o cirurgião irá cometer.

ONDE: Cinemais e Playarte

Filme: Meu País

Diretor: André Ristum

Elenco: Rodrigo Santoro, Cauã Reymond, Débora Falabella

Sinopse: Após anos fora do Brasil, separado da família pela distância e pelo afeto, Marcos (Rodrigo Santoro) é obrigado a retornar ao país quando seu pai, Armando (Paulo José), sofre um derrame. Executivo, casado e bem-sucedido na Europa, Marcos reencontra Tiago (Cauã Reymond), seu irmão mais novo. Ao contrário do primogênito, Tiago não tem vocação para os negócios. Para aumentar o conflito entre os irmãos, eles descobrem que possuem uma meia-irmã, Manuela (Débora Falabella), vítima de deficiência intelectual. Uma filha que Armando sempre manteve escondida de toda a família.

ONDE: Playarte

Filme: Os Muppets

Diretor: James Bobin

Elenco: Amy Adams, Jason Segel, Chris Cooper

Sinopse: De férias em Los Angeles, Walter (Peter Linz), o maior fã dos Muppets em todo mundo, seu irmão Gary (Jason Segel) e a namorada dele Mary (Amy Adams), de Smalltown, EUA, descobrem um nefasto plano do explorador de petróleo Tex Richman (Chris Cooper) para destruir o teatro onde os bonecos se apresentavam e extrair o petróleo do subsolo. Para salvar o local, eles resolvem montar um programa de TV e arrecadar os US$ 10 milhões necessários, além de ajudar Kermit (Steve Whitmire) a reunir os Muppets, que tinham tomado rumos diferentes.

ONDE: Cinemais, Cinemark, Playarte e Severiano Ribeiro

Filme: Operação Presente

Diretor: Sarah Smith

Elenco: Vozes na versão original de: James McAvoy, Bill Nighy, Hugh Laurie

Sinopse: Assim como outras crianças, Arthur (James McAvoy) quer saber como Papai Noel (Jim Broadbent) faz para entregar os presentes de todas as crianças do mundo em uma noite? Inacreditavelmente, ele obtém uma resposta: o Bom Velhinho conta com o apoio de uma excitante e ultrassecreta operação no Pólo Norte. Paralelo a isto, Arthur tem uma missão de urgência e com prazo semelhantes à entrega dos presentes, e ele precisa terminá-la antes da manhã de Natal.

ONDE: Cinemais, Cinemark, Playarte e Severiano Ribeiro

Filme: Os Especialistas

Diretor: Gary McKendry

Elenco: Jason Statham, Robert De Niro, Clive Owen

Sinopse: O assassino profissional Danny (Jason Statham), embora interessado em desistir da vida de matanças, é forçado a fazer um último serviço para garantir a sobrevivência de seu antigo parceiro de missões secretas Hunter (Robet De Niro). Para isso, deverá vingar um poderoso xeque do petróleo que teve seu três filhos assassinados por agentes das forças especiais britânicas SAS. Mas, para cumprir sua missão, terá de enfrentar Spike (Clive Owen), um poderoso ex-membro do grupo disposto a defender seus antigos parceiros.

ONDE: Cinemais, Cinemark e Playarte

A Loucura de "A Saga Crepúsculo - Amanhecer - Parte I"

2011-11-28T23:24:00.002-04:00

Por Caio Pimenta

As pessoas estão ficando loucas!

Somente isso e nada mais diferente consegue explicar o sucesso da “Saga Crepúsculo” e, mais precisamente, de “Amanhecer – Parte I”.

Como as pessoas conseguem enxergar nisso uma história de amor e não um filme com pessoas, no mínimo, com problemas psicológicos sérios?

A “Saga Crepúsculo” não resiste a uma simples análise em que paremos para fazer por dois minutos.

Não precisa ser um intelectual, ler mil livros do Nietzsche ou visto cem filmes iranianos ou ido em peças alternativas.

Basta refletir!

Topa o desafio?

Então, vamos!

Desde o início da Saga quando a humana Bella Swan (Kristen Stewart) descobre que o rapaz bonitão da sala dela, Edward Cullen (Robert Pattinson), era um vampiro e se apaixonam, a conversa entre os dois se resume a isso:

Bella - Edward, eu não me sinto adaptada a esta vida. Quero ser vampira e viver com você! (tom melodramático, por favor)

Edward - Não, Bella. Você não sabe das conseqüências disso. (tom passivo)

Bella - Olha Edward! Eu amo você, faço tudo por você. Eu quero morrer. (tom melodramático 2X)

Edward - Não posso, Bella! (tom passivo)

Bella - Eu quero morrer! (tom melodramático + cara de choro)

Edward - Não, Bella. (tom passivo)

Bella - Quero Morrer, Edward!

Nisso, se resume grande parte dos primeiros filmes da saga e nas conversas entre os dois pombinhos (reparem que nos diálogos trocados pelos dois há sempre sofrimento e, raramente, brincadeiras ou declarações verdadeiras de amor).

Triste é perceber que, em nenhum momento, o roteiro parece se importar em fazer Bella se questionar se será válido morrer por um amor, abrir mão de uma vida, carreira, profissão, filhos porque gosta de um cara, se é uma paixão de adolescente (afinal de contas, somente em “Amanhecer” que ela completa 18 anos).

Até aí, não passava de uma tolice bobinha que dava para ser relevada facilmente.

Ok.

Porém, a série de barbaridades vistas em “Amanhecer-Parte I” assume um grau de ofensa a inteligência mínima que qualquer ser humano possui.

Olhar o que acontece com Bella e ver as atitudes tomadas por Edward são, no mínimo, revoltantes.

A PARTIR DE AGORA, NÃO LEIA CASO AINDA NÃO TENHA ASSISTIDO O FILME

Quem acompanha a história ou, pelo menos, é bem informado, sabe que neste quarto filme os pombinhos vão se casar e passar a lua-de-mel no Rio de Janeiro.

Porém, nesse meio do caminho somos testemunhas de uma das maiores loucuras já feitas por uma personagem no cinema nos últimos tempos: Bella, apesar de ter sido alertada do perigo que corria de se machucar fisicamente ao fazer sexo com Edward por este ser um vampiro, topa mesmo assim.

Resultado: no outro dia, a garota acorda com hematomas por todo o corpo e, mesmo assim, está satisfeitíssima com a noite de “amor”.

Para piorar, Bella insiste para fazer sexo mais vezes, em uma atitude que mostra sua total falta de amor por si própria, já que parece não se importar se vai ficar ferida ou não.

A desculpa usada por ela para não se transformar logo em vampira naquele momento era porque não queria ESTRAGAR a lua-de-mel, já que a transformação a faria ficar se contorcendo de dor por um dia inteiro.

Ou seja: ser espancada enquanto perde a virgindade, tudo bem. Estragar a lua-de-mel, não.

Daí, a autora do livro Sthepanie Mayer resolve “ferrar” de vez com a protagonista, engravidando-a de um ser que não se sabe se é vampiro ou humano.

O que acontece com Bella a partir deste momento é chocante: a menina emagrece completamente; hematomas disparam em seu corpo, para não falar da barriga que fica roxa (literalmente); não consegue mais andar; mesmo não sendo vampira, precisa se alimentar de sangue para conseguir fazer o bebê se acalmar, chega a quebrar a bacia e a perna devido a um deslocamento abrupto do vampirinho....

Algo digno de “O Bebê de Rosemary”.

Mas, acredite se quiser: tudo isso é mostrado pelo filme como uma prova de amor e sacrifício por Edward.

Sim!

Roteiristas, atores e diretor apresentam tudo isso como uma grande prova de amor.

Amor?

Desejar a morte é amor?

Ver seu corpo se deteriorar é amor?

Se expor a dores terríveis é amor?

Amor a quê?

A Edward?

Um cara que simplesmente na noite do casamento a entrega ao outro homem que a ama, dizendo ser um presente? E que permite, na frente de toda família, que o rival abrace sua amada?

Um cara que aceita fazer sexo com ela mesmo que a deixe se machucar terrivelmente?

Um cara que sabe que se Bella levasse a gravidez adiante poderia morrer da pior maneira possível e mesmo assim fica imóvel, incapaz de tomar uma decisão firme?

Um homem (vampiro, ok!) que mesmo com seus séculos de vida não consegue impedir uma garota do ensino médio, com claros problemas psicológicos, de se apaixonar por ele? E que não a faz perceber de maneira minimamente convincente o quanto pode se arrepender da escolha e do que estará abrindo mão com a vida que pretende levar?

Não bastasse o casal mais transtornado da história do cinema, há Jacob.

Se ele até este filme, conseguia ser um cara legal com Bella e que a fazia se animar, ganhando a simpatia do público (confesso que não entendia porque ela não ficava com o vampiro, já que era Jacob quem mais a fazia rir e se divertir), dessa vez, a revelação guardada para o personagem o transforma em um pedófilo.

P-E-D-Ó-F-I-L-O!

Ou você não viu a maneira como ele olha para o bebê em uma cena tão mal construída que não possui metade do impacto que propõe?

Enfim...

Saber que há pessoas por aí que idolatram essa história de personagens com problemas psicológicos sérios e encaram tudo isso como uma prova de que o amor pode vencer barreiras, além de ser tudo perdoável pelo fato dos atores serem bonitos, me causa espanto.

Para mim, o sucesso da “Saga Crepúsculo”, principalmente de “Amanhecer”, mostram quanto às pessoas estão perdendo seu senso crítico e capacidade mínima de pensar, pois se fizessem, esses filmes não durariam muito tempo.

Não sou daqueles que acham que Hollywood seja o pior lugar do mundo e que só pensem em dinheiro, sendo incapazes de produzir bons filmes. Muito menos que esses filmes que possuem público-alvo em crianças e adolescentes sejam tolos, bobos e estúpidos, principalmente quando o assunto é roteiro.

Se assim fosse não teríamos obras-primas como “Batman – O Cavaleiro das Trevas”, o primeiro“Jurassic Park”, a trilogia “Toy Story” e tantos e tantos outros.

Como cinéfilo, acredito que o cinema é sim uma grande diversão, da mesma maneira em que creio que possa ser também um lugar para pensar.

Porém, ter que engolir Edward Cullen e Bella Swan e esse amor doentio é demais para mim.

Ainda não acho que estou tão louco.

NOTA: 4,5

Estreias da Semana nos Cinemas de Manaus - 25 de Novembro

2011-11-24T23:47:00.000-04:00

Filme: Happy Feet 2: O Pinguim

Direção: George Miller

Elenco: Vozes de: Daniel de Oliveira, Sidney Magal

Sinopse: Sequência do sucesso ganhador do Oscar® de Melhor Animação, Happy Feet 2 leva o público de volta às paisagens magníficas da Antártica. Mano e Gloria agora tem um filho, Erik, que se esforça para encontrar seus próprios talentos no mundo do Pinguim Imperador. Porém, novos perigos ameaçam a nação pinguim e todos vão precisar trabalhar, e dançar, para salvá-la.

Onde: Cinemark, Cinemais, Playarte e Severiano Ribeiro

Filme: Não Sei Se Ela Consegue

Direção: Douglas McGrath

Elenco: Greg Kinnear, Pierce Brosnan, Sarah Jessica Parker

Sinopse: Kate é o exemplo perfeito da mulher moderna: trabalha fora de casa, educa dois filhos, cuida do marido e de si mesma. Tudo vira de cabeça para baixo com o chegada de um novo e charmoso colega de trabalho, Jack. E agora conciliar amor, trabalho e família: será que ela consegue?

Onde: Cinemark, Cinemais e Playarte

Estreia da Semana nos Cinemas de Manaus - 18 de Novembro

2011-11-18T17:54:00.000-04:00

Filme: A Saga Crepúsculo – Amanhecer – Parte I

Direção: Bill Condon

Elenco: Kristen Stewart, Robert Pattinson, Taylor Lautner, Anna Kendrick

Sinopse: A alegria de Bella Swan (Kristen Stewart) e Edward Cullen (Robert Pattinson), recém-casados, é interrompida quando uma série de traições e situações adversas ameaça destruir o mundo deles. Após o casamento, Bella e Edward viajam até o Rio de Janeiro para a lua-de-mel, onde finalmente se entregam a suas paixões. Bella logo descobre que está grávida, mas a chegada da filha, Renesmee, coloca em movimento uma perigosa cadeia de eventos.

Onde: Cinemark, Cinemais, Playarte e Severiano Ribeiro